Le cinéma expérimental italien  des années 1960/70 revisité

Autour de la Cooperativa Cinema Indipendente Roma et des films retrouvés de Gianfranco Brebbia.

Au cours des années 1960, émergèrent dans le monde entier des groupes de cinéastes expérimentaux organisés en coopératives indépendantes. Parmi ces courants, le mouvement italien, parfois autoproclamé underground, se caractérise par son originalité et sa diversité esthétique, dans laquelle Paolo Bertetto a notamment distingué le cinéma d’artiste, le cinéma « auto-expressif » et le cinéma déconstructif.

Manifestation co-organisée par Grains de Lumière et Cinédoc Paris Film Coop, Le laboratoire ESTCA et la commission de Recherche de l’Université de Paris 8, avec le soutien du CNC.

Le film musical hollywoodien en contexte médiatique et culturel / The hollywood film musical in its mediatic and cultural context

Ce colloque de clôture dressera le bilan des travaux menés dans le cadre du programme de trois ans « Musical MC² – le film musical hollywoodien en
contexte médiatique et culturel ». L’accent sera mis sur la présentation de l’outil numérique développé dans le cadre de ce projet : la conception, le fonctionnement et les usages possibles de la base de données « Musical MC² ».

This conference aims at assessing the work undertaken during the three years of the MC² program, “The Musical Film in its Mediatic and Cultural Context.” We will put emphasis on the presentation of the digital tool that was developed by MC², focusing on the conception and the possible uses of the database on the Hollywood film musical.

Direction scientifique et organisation :

Marguerite Chabrol et Pierre-Olivier Toulza

→ Télécharger le programme complet

Le film musical hollywoodien en contexte médiatique et culturel / The hollywood film musical in its mediatic and cultural context

Ce colloque de clôture dressera le bilan des travaux menés dans le cadre du programme de trois ans « Musical MC² – le film musical hollywoodien en
contexte médiatique et culturel ». L’accent sera mis sur la présentation de l’outil numérique développé dans le cadre de ce projet : la conception, le fonctionnement et les usages possibles de la base de données « Musical MC² ».

This conference aims at assessing the work undertaken during the three years of the MC² program, “The Musical Film in its Mediatic and Cultural Context.” We will put emphasis on the presentation of the digital tool that was developed by MC², focusing on the conception and the possible uses of the database on the Hollywood film musical.

Direction scientifique et organisation :

Marguerite Chabrol et Pierre-Olivier Toulza

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Le film musical hollywoodien en contexte médiatique et culturel / The hollywood film musical in its mediatic and cultural context

Ce colloque de clôture dressera le bilan des travaux menés dans le cadre du programme de trois ans « Musical MC² – le film musical hollywoodien en
contexte médiatique et culturel ». L’accent sera mis sur la présentation de l’outil numérique développé dans le cadre de ce projet : la conception, le fonctionnement et les usages possibles de la base de données « Musical MC² ».

This conference aims at assessing the work undertaken during the three years of the MC² program, “The Musical Film in its Mediatic and Cultural Context.” We will put emphasis on the presentation of the digital tool that was developed by MC², focusing on the conception and the possible uses of the database on the Hollywood film musical.

Direction scientifique et organisation :

Marguerite Chabrol et Pierre-Olivier Toulza

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Pédagogies farockiennes

Dans le cadre du Festival d’Automne, le Centre Pompidou présente la rétrospective la plus importante consacrée à Harun Farocki en France, à travers près de cinquante films. Parallèlement, une exposition en accès libre réunit douze de ses vidéos et installations, de la première, Section (1995), à la dernière, Parallèle I-IV (2012-2014).
En partenariat avec le projet « Politiques de la distraction », deux tables rondes seront animées par Christa Blümlinger (enseignante-chercheuse à l’Université Paris 8, responsable de l’édition des textes de Farocki en français) et Dork Zabunyan (critique et enseignant-chercheur à l’Université Paris 8) autour des mécanismes d’apprentissage, du fonctionnement de la mémoire et des procédés de distraction, cristallisés entre autres chez Farocki dans des processus de jeu (comme le jeu vidéo, le sport ou encore le jeu de rôle).

La première table ronde s’intéresse aux formes variées de la pédagogie farockienne et à sa manière de mobiliser la mémoire du cinéma. Elle réunit Raymond Bellour (critique et chercheur au CNRS, membre du comité de la revue Trafic), Volker Pantenburg (enseignant chercheur à la FU Berlin, membre du conseil du Harun Farocki Institut Berlin) et Christa Blümlinger. Modération : Dork Zabunyan.

La seconde table ronde s’intéresse aux figures de jeux et de reprises dans l’oeuvre de Farocki et réunit Nora Alter (enseignante-chercheuse, spécialiste du film d’essai, en particulier de Chris Marker et Harun Farocki, Temple University à Philadelphie), Constanze Ruhm (artiste et commissaire d’expositions, ancienne collègue de Farocki à l’Académie des Beaux-Arts de Vienne) et Dork Zabunyan. Modération : Christa Blümlinger

Problématique de la fabrication

Séminaire « Problématique de la fabrication » consacré à l’étude de l’articulation technique/esthétique. Dirigé par Frédéric Sabouraud.
Exposés : « Numérique et transhumanisme » (titre provisoire) par Lorenzo Bianchi; «Algorythmage: création et réalisation expérimentale», par Rémy Dauvergne.
Retour sur certains des textes théoriques présentés en introduction du séminaire.

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Les Editions de La Lettre volée ont le plaisir de vous annoncer une rencontre autour de :
La Dernière photographie. Sarabande de Ingmar Bergman
de Isabelle Rèbre
Ed. La Lettre volée, Collection Palimpsestes, 2017

Isabelle Rèbre s’entretiendra avec Dominique Dussidour
et Bernard Bloch lira des extraits du livre

Ingmar Bergman réalise Sarabande à quatre-vingt six ans alors qu’il pensait en avoir fini avec le cinéma. Ce tournage apparaît comme la seule issue aux tourments qui s’emparent de lui en cette fin de vie. Le cinéaste y pose la question du dialogue avec les morts : la réponse tient ici à l’utilisation de la photographie. Ainsi, place-t-il au cœur de son film le portrait d’une défunte : c’est paradoxalement cette image fixe qui va mettre en mouvement les personnages, et provoquer leur déplacement. La sarabande n’est-elle pas d’abord une danse ? Ultime et subtil renversement d’un cinéma qu’on pensait hanté par la mort.

Concert Hollywood Heroines

En clôture du colloque Le Film musical hollywoodien en contexte médiatique et culturel, la Fondation des États-Unis a le plaisir d’accueillir le duo Todd Decker et Kelly Daniel-Decker pour le concert Hollywood Heroines. Ce concert est un hommage à cinq grandes stars féminines du musical hollywoodien classique : Judy Garland, Barbra Streisand, Shirley Jones, Irene Dunne et Jeanette MacDonald. Le programme comporte des chansons des grands auteurs et compositeurs américains, Jerome Kern, Harold Arlen, Johnny Mercer, Rodgers and Hammerstein et Jule Styne, et sera l’occasion d’analyser quelques éléments de la carrière de ces stars et de leurs succès musicaux.

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Emanuele Quinz Design et Distraction

Dans un essai de 1972, Psychologie de l’espace, Abraham A. Moles et Elisabeth Rohmer proposent la définition d’un “nouveau design” qui étend son horizon des objets aux agencements de l’espace et du temps, et vise une “programmation des relations entre homme et environnement”.

Le principe de programmation, que le design applique aux dimensions physiques mais aussi sociales et politiques de l’espace et du temps, s’étend également à la “régulation scientifique d’atomes de comportement”. Dans cette perspective les déviations sont programmées, selon une “partition de chocs”, où des surprises “artistiques” prédisposées composent un contre-point à la rigidité des conduites fonctionnelles. Cet épisode méconnu de l’histoire du design et de l’architecture semble renvoyer à un délire cybernétique, où contrôle et distraction s’opposent comme les termes d’une équation, et où l’informatique devient l’instrument non seulement de l’analyse mais du design de la société : une utopie – ou dystopie ? – qui se diffuse entre les années 1960 et 1970, et dont les fantasmes semblent s’étendre jusqu’à aujourd’hui, à l’âge du tout numérique, des big data et des smart cities.

Danses libres et corps rythmiques

La naissance du cinéma comme nouvelle forme artistique à la fin XXe siècle est concomitante du renouvellement profond des pratiques et théories relatives à un autre art, la danse. Le modernisme chorégraphique entretient en effet des relations fructueuses avec le cinéma, l’analyse des discours produits sur le corps en mouvement nourrissant les réflexions naissantes sur le nouvel art. Ce sont ces croisements épistémologiques et méthodologiques que cette intervention à deux voix souhaite mettre en lumière à partir de l’exemple de films italiens produits pendant cette période, dont certains extraits viendront ponctuer l’argumentation. Les théories du mouvement corporel (de François Delsarte, Emile Jaques- Dalcroze et Rudolf Steiner, entre autres) et les conceptions chorégraphiques des pionniers de la danse moderne (comme Loïe Fuller, Ruth St. Denis et Isadora Duncan) seront confrontées aux films contemporains afin de mesurer leur influence sur la danse à l’écran.
La séance sera suivie de la projection de Caligula (La tragica fine di caligula imperatore) (1917) d’Ugo Falena, comprenant une scène de danse mythique interprétée par la grande Stacia Napierkowska.
Le film a été récemment restauré par la Cinémathèque de Bologne, à partir d’éléments provenant de la Cinémathèque française et de la Fondation Jérôme Seydoux-Pathé, dans le cadre du projet « Decadenza. Le cinéma muet italien ». La projection de cette version restaurée est la première en France.

Partenaires

Université Paris 8 – Laboratoire ESTCA (Esthétique, Sciences et Technologies du
Cinéma et de l’Audiovisuel), Université Paris Nanterre, Université Paris Lumières,
ENS Louis-Lumière, BnF, Fondation Jérôme Seydoux-Pathé, Cineteca di Bologna,
EYE Film Instituut Nederland.

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Problématique de la fabrication

Séminaire « Problématique de la fabrication » consacré à l’étude de l’articulation technique/esthétique. Dirigé par Frédéric Sabouraud.

Rencontre avec le chef opérateur Renato Berta (qui a travaillé notamment avec Jean-Luc Godard, Louis Malle, Manoel de Oliveira, Alain Resnais) autour de l’usage des nouvelles caméras numériques.

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Séminaire « Le cinéma comme expérience esthétique »


Séance spéciale

Dirigé par Christa Blümlinger
Thomas Elsaesser (Université d’Amsterdam et Columbia University) : « Film History as Media Archeology », débat en anglais et en français. Suite à cette séance, le film de Thomas Elsaesser, « The Sun Island » (2016) va être présenté en salle Benjamin (à 18h00).

Lien pour accéder à la présentation du séminaire du 1er semestre

Problématique de la fabrication

Séminaire « Problématique de la fabrication » consacré à l’étude de l’articulation technique/esthétique. Dirigé par Frédéric Sabouraud.

Rencontre avec Brice Barbier, DIT (digital Imaging technician) à propos de la réorganisation du travail et de la chaine de production (workflow) avec l’usage des technologies numériques.

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Problématique de la fabrication

Séminaire « Problématique de la fabrication » consacré à l’étude de l’articulation technique/esthétique. Dirigé par Frédéric Sabouraud.

Conclusion des rencontres

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Les états du cinéma, Séminaire doctoral

Dirigé par Dominique Willoughby

Cinéma religieux des premiers temps

« Un cinéma qui fascine, le rôle du corps et des sens dans le dispositif de réception du cinéma religieux des premiers temps » par Ferdinando Gizzi (Università di Firenze) et Céline Pluquet (ESTCA, Paris 8)

Mêlés à la dimension extraordinaire et nouvelle du spectacle cinématographique, les “scènes religieuses” du cinéma des premiers temps peuvent prendre une dimension miraculeuse provoquant surprise et étonnement du public. Inversement, cette réappropriation de l’iconographie religieuse par le cinématographe exploite la notion de plan comme tableau vivant dont l’alternance entre fixité et mouvement parviendrait à mettre le spectateur dans un état de contemplation.

Une première intervention analysera les inspirations iconographiques du  Christ marchant sur les eaux réalisé par Méliès en 1899 (repris par Pathé comme tableau de sa Passion en 1902 et 1907). Elle permettra de replacer ce film dans l’évolution du traitement artistique du thème (c’est-à-dire, du traitement que ce même thème reçoit dans les arts figuratifs officiels, comme la peinture, la sculpture, etc.) entre la seconde moitié et la fin du XIXe siècle. Ce sera également l’occasion de retrouver les racines de sa conception en trompe-l’oeil, haptique et frontale, s’adressant  directement au spectateur en essayant littéralement d’en incorporer l’acte de vision, dans les mouvements les plus populaires de la culture visuelle de fin de siècle.

Ensuite, une étude d’une partition composée par Charles Quef en 1907 spécialement pour accompagner le film La Vie de Jésus en 40 tableaux produit par Pathé la même année permettra de voir en quoi la dimension sonore de la projection participerait à la fois à l’expérience miraculeuse du spectacle cinématographique en réutilisant les codes esthétiques de l’accompagnement musical religieux mais aussi servirait d’outil permettant “un retour à la raison” du spectateur une fois le miracle passé.

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Rencontre avec Benedikt Reichenbach

À l’occasion de la réédition en anglais de l’ouvrage de Michele Mancini et Giuseppe Perrella Pier Paolo Pasolini, corpi e luoghi (première édition : Theorema, 1981) qu’il a dirigée.

Discussions autour du livre avec Cécile Sorin (Paris 8), Anne-Violaine Houcke (Paris Nanterre), Giovanni Careri (Ehess), et Hervé Joubert-Laurencin (Paris Nanterre-Ehess).

Corpi e luoghi est un livre exceptionnel connu de ceux qui étudient l’œuvre de Pasolini pour la richesse de son iconographie, puisque sa première édition dit contenir 1802 photogrammes sélectionnés dans l’intégralité de ses films, répertoriés et classés dans des chapitres brièvement présentés et justifiés par les deux auteurs, critiques de cinéma.

Michele Mancini et Giuseppe Perella, qui avaient également organisé divers expositions de ces images rendant compte de l’œuvre de Pasolini quelques années après sa mort, entendaient faire œuvre de critique de cinéma à travers l’iconographie et l’édition, et tenir un discours sur l’œuvre filmique qui serait à la hauteur du sérieux anthropologique dont avait fait preuve Pasolini dans le choix des Corps et des Lieux.

Les Editions de La Lettre volée ont le plaisir de vous annoncer une rencontre autour de :
La Dernière photographie. Sarabande de Ingmar Bergman
de Isabelle Rèbre
Ed. La Lettre volée, Collection Palimpsestes, 2017

Ingmar Bergman réalise Sarabande à quatre-vingt six ans alors qu’il pensait en avoir fini avec le cinéma. Ce tournage apparaît comme la seule issue aux tourments qui s’emparent de lui en cette fin de vie. Le cinéaste y pose la question du dialogue avec les morts : la réponse tient ici à l’utilisation de la photographie. Ainsi, place-t-il au cœur de son film le portrait d’une défunte : c’est paradoxalement cette image fixe qui va mettre en mouvement les personnages, et provoquer leur déplacement. La sarabande n’est-elle pas d’abord une danse ? Ultime et subtil renversement d’un cinéma qu’on pensait hanté par la mort.