Les états du cinéma, séminaire doctoral
Dirigé par Dominique Willoughby
Les espaces de la ciné-danse
« L’expérience du mouvement dans l’espace filmique, du cinéma pur au direct film : espaces écraniques abstraits et cinégraphies impossibles » par Bárbara Janicas (ESTCA, Paris 8)
Depuis les années 1920, certains cinéastes se sont emparés d’idées de danse pour explorer des espaces filmiques qui ne peuvent exister que sur pellicule. En explorant les effets visuels engendrés par l’interaction entre les objets mouvants et la lumière pour enregistrer sur la surface photosensible des mouvements purs et imperceptibles (Dulac, Man Ray), ou en travaillant directement sur le support filmique pour donner à voir des chorégraphies abstraites de formes géométriques (Len Lye, McLaren), ils ont réussi à créer des espaces écraniques fondés et façonnés sur des expériences kinétiques pures. De quelle manière la pellicule peut-elle être travaillée comme une matière plastique propre à la danse ? Comment l’écran de cinéma devient-il une scène pour des chorégraphiques impossibles ? Dans quelle mesure ces expérimentations sont à l’origine des postérieures explorations spatiales en ciné-danse ?
« Panorama des espaces de la ciné-danse, de Maya Deren à Mitchell Rose : effets chorégraphiques et implications dramaturgiques » par Sophie Walon (THALIM, ENS)
L’une des caractéristiques les plus frappantes des ciné-danses est leur propension à filmer la danse dans des lieux très divers et parfois insolites. Sortant la danse des théâtres, les « choréalisateurs » filment la danse dans des aires urbaines (rues, parkings, centres commerciaux, gares), des sites naturels (forêts, plages, montagnes, rivières), des espaces domestiques ou encore des environnements virtuels. Quels effets ces espaces ont-ils sur les corps et les mouvements ? Est-ce que, réciproquement, les corps dansants ont une action, un impact sur ces lieux ? Comment ces espaces, qui sont aussi des contextes, façonnent-ils le sens de ces films ?
(Séance en collaboration avec le séminaire du groupe de recherche Ecrans Chorégraphiques)
Séminaire interuniversitaire sur la critique
Christophe Kihm, distraction et animalité
Si la distraction n’est pas un objet partagé par les études éthologiques, c’est une notion que retiennent majoritairement les études vétérinaires, dont les applications pratiques sont immédiates dans les éducations animales. Nous ouvrirons l’étude de la distraction au comportement animal en nous attachant à relever et à discuter la pertinence de cette notion dans les analyses et études qui y ont été consacrées, jusqu’en anthropologie où elle a pu décrire, dans certains travaux, les modalités de présence du chien domestique.
Nous essaierons de comprendre, dans un second temps, à partir de l’exemple de chiens d’aveugle et de chiens de sourds, puis en appui sur des recherches récentes développées en éthologie cognitive et constructive, sous quelles conditions on peut qualifier le chien domestique d’animal distrait, comme habitant entre deux mondes et dans ses pratiques d’attention partagée.
Cet atelier s’inscrit dans le cadre du projet « Politiques de la distraction », porté par : Paul Sztulman (EnsAD) et Dork Zabunyan (ESTCA) et bénéficie d’une aide de l’ANR au titre du programme Investissements d’avenir (ANR- 10-LABX-80-01).
Partenaires :
Labex Arts-H2H
ESTCA (Université Paris 8) EnsAD — PSL.
« C’est dans la rue que ça se passe… » ?
Dans le cadre de le cadre de la Semaine des arts, Hélène Fleckinger, pour la Mission Cinquantenaire de Paris 8, vous invite à l’exposition-ateliers « C’est dans la rue que ça se passe… » ? L’Université de Paris 8 se manifeste de Vincennes à Saint-Denis« , à la Maison des étudiant.es, à l’occasion des 50 ans de mai-juin 1968 et de la préparation du Cinquantenaire de Paris 8.
Ciné Rues, une semaine de films expérimentaux en forme de rues
Dans le cadre de La Semaine des Arts à Paris, ce programme en 5 séances et un ciné-concert, présente une trentaine de films dont la rue est le sujet et l’objet d’expérimentations cinématographiques, une traversée à plusieurs dimensions, non seulement des rues de Berlin, Kiev, Łódź, Los Angeles, Moscou, New-York, Odessa, Paris, Pékin, Prague, Richmond, Telč, Varèse, mais aussi d’une diversité de formes cinématographiques originales de toutes époques.
Programme conçu et présenté par Grégoire Quenault, Jennifer Verraes et Dominique Willoughby. Université Paris 8, ESTCA
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Penser le cinéma au prisme de l’enfance et l’enfance au prisme du cinéma
Ce colloque succède à un premier symposium qui s’est tenu à Brême en 2016 (Internationales Bremer Symposium zum Film, à l’université de Brême), dont il se veut complémentaire. Ce premier événement, organisé par l’université de Brême en coopération avec l’université Sorbonne Nouvelle – Paris 3, a pris ces discours comme point de départ pour poser des questions plus générales sur la figure de l’enfant et l’enfant acteur au cinéma, sur l’enfance comme dimension de l’expérience créatrice et de l’expérience spectatorielle. Le présent colloque, organisé par l’université Sorbonne Nouvelle – Paris 3 en coopération avec l’université de Brême, souhaite à présent cibler la recherche commune sur l’histoire et le fonctionnement de ces discours, et réfléchir sur leur valeur pour une pensée contemporaine du cinéma et de l’enfance, dans une perspective pédagogique notamment.
Une publication dans la revue Théorème est envisagée à l’issue du colloque.
Avec Alain Bergala, Hervé Joubert-Laurencin, Antonio Somaini, Teresa Castro, Emmanuel Siety, Pierre Gabaston, Bettina Henzler, Deborah Martin, Annette Kuhn, Dork Zabunyan.
Une projection sera organisée au Studio des Ursulines le jeudi 5 avril.
→ Télécharger le programme complet
Organisation :
Perrine Boutin et Emmanuel Siety
Université Sorbonne Nouvelle – Paris 3
Bettina Henzler
Universität Bremen
Séminaire inter-universitaire sur la critique
Célébrons le centenaire d’André Bazin !
Dans le cadre du séminaire sur la critique de cinéma « IDEC » le laboratoire HAR (Paris Nanterre) ses directeurs Hervé Joubert-Laurencin et Rémi Labrusse vous invitent cordialement à partager un verre en mémoire du critique de cinéma André Bazin (18 avril 1918 Angers-11 novembre 1958 Bry-sur-Marne).
Cette année de commémoration nationale verra la sortie courant octobre de ses Écrits complets aux éditions Macula d’un film documentaire, Bazin roman, réalisé par Marianne Dautrey et Hervé Joubert-Laurencin de colloques internationaux organisé à Chicago en octobre par Daniel Morgan et Dudley Andrew et à Paris en décembre par le groupe IDEC.
Séminaire Inter-universitaire sur la critique
Eric Rohmer’s Film Theory (1948-1953)
Conférence de Marco Grosoli (Habib Université)
Eric Rohmer’s Film Theory (1948-1953) : from ‘école Schérer’ to ‘Politique des auteurs’, qui vient d’être publié par Amsterdam University Press, est le premier de deux livres consacrés à une relecture radicale de la politique des auteurs, s’appuyant sur des centaines de textes (généralement pas très lus) écrits par les « jeunes turcs » principalement sur les Cahiers et sur Arts. Il se concentre notamment sur sa toute première phase, quand le groupe se forma autour d’Eric Rohmer, dont la conception du cinéma venait justement de se cristalliser (selon l’avis de Rohmer lui-même) vers 1950 tout en exerçant une influence capitale sur les autres jeunes critiques.
Cette conférence présentera le livre en abordant un de ses aspects en particulier, à savoir le rejet, de la part de Rohmer, de l’existentialisme sartrien qui l’avait marqué au début, pour adopter une perspective (surtout) kantienne. C’est autour de ce rejet que se formera l’« école Schérer » (comme la baptisa Pierre Kast), dont les premiers pas seront décrits pendant la conférence tout en traçant le contour de ce « big bang » à l’origine de l’« école Schérer » (et ensuite de la politique des auteurs elle-même) qu’on peut aussi appeler, de façon quelque peu énigmatique mais au demeurant très convenable, « l’achèvement de la caméra-stylo ».
Workshop « Représentations Médiatiques du Territoire »
Cet atelier fait suite au colloque sur le film guérilla (INHA – MSH PN 23-24 février 2017) qui, en se focalisation sur des auto productions issues en grande partie de Seine Saint-Denis, a pu mettre en évidence l’importance systématique du refus des représentations médiatiques du territoire comme élément moteur de cette création cinématographique indépendante. Qu’il s’agisse de Wesh wesh, qu’est-ce qui se passe ?1 ou de Rue des Cités, 20111, ces films, bien que très différents, ont été motivés par le rejet des images du territoire véhiculées par les reportages télévisés et la production cinématographique institutionnelle. Le film guérilla répond ainsi la double exigence de porter une autre image du Nord parisien tout en cherchant activement une organisation de la production cinématographique à même de ne pas reproduire ces représentationsmainstream.
Cet atelier se propose donc d’analyser, de façon précise et systématique, les représentations médiatiques du Nord parisien. Il s’agira donc, dans ce workshop, de mobiliser différents corpus (archives départementales, films de patrimoines, production cinématographique et audiovisuelle, images des mass media et nouveaux médias) afin de construire une lecture comparée des représentations du Nord parisien.
Séminaire inter-universitaire sur la critique
Chantier Bazin
De l’intérêt et de la manière de publier les écrits complets d’un critique de cinéma.
Hervé Joubert-Laurencin, directeur de l’ouvrage, Pierre Eugène, qui fut ingénieur de recherche lors d’une étape de son élaboration et qui y collabore toujours, Véronique Yersin, directrice des éditions Macula, ainsi que d’autres membres de l’équipe disponibles actuellement au travail sur le bouclage de cette édition exceptionnelle, viendront présenter l’état de la science et l’état de l’objet.
Un état de distraction permanent: le cas Donald J. Trump
Conférence de Dork Zabunyan
Donald Trump gouverne par distraction, non seulement en transformant la politique en pur spectacle, mais aussi, et par là même, en éloignant ses concitoyens des problèmes effectifs qui affectent leur existence au quotidien.
Images et discours à l’appui, il s’agira de revenir sur une présidence à nulle autre pareille, où une nation entière semble prise au piège d’une «politique de la distraction» qui la transit tout entière autant qu’elle la divise.
Evénement dans le cadre du lancement de l’École Universitaire de Recherche ArTeC.
« Corps politiques et critique des médias : pour une télévision impure »
Conférence de Dork Zabunyan
Premier workshop : « Changer, échanger, Serge daney au milieu du gué » dans le cadre du projet « Serge Daney and queer cinephilia » oreganisé par Kate Ince, Marc Siegel et Pierre Eugène. Partenaires : Goethe Universität, University of Birmingham, HAR.
Gouverner par distraction : culture de masse et propagande à l’ère de Donald Trump.
Une conférence de Dork Zabunyan
Dans le cadre du Colloque : « Cinéma, masses et propagande : autour de Kracauer et Benjamin. »
Organisation : Olivier Agard (Sorbonne Université) et Stephanie Baumann (Université de Valenciennes/Polytechnique Hauts-de-France)
Ateliers annuels du groupe de recherche « Théâtres de la mémoire »
L’Aveu filmé
Créé en 2003, le groupe de recherches Théâtres de la mémoire réunit des chercheurs en études cinématographiques de quatre universités (Paris 1, Paris 3, Paris 7, Paris 8) en proposant une approche pluridisciplinaire des images en mouvement.
Considérant le dispositif d’enregistrement et de projection du cinéma comme un « théâtre » de la mémoire, le travail de l’équipe vise à définir historiquement et théoriquement les rapports qu’entretiennent images reproductibles et histoire, technologie et archive, fiction et documentaire, écriture de soi et écriture de l’histoire.
Dans le prolongement des motifs abordés au cours des années antérieures et à la confluence des recherches menées sur le témoignage filmé et l’usage des archives audiovisuelles, la question de l’aveu filmé apparaît offrir une perspective essentielle sur la puissance propre à l’enregistrement filmique. → Lire la suite
Co-direction
Christa BLÜMLINGER (ESTCA/Paris 8)
Michèle LAGNY (IRCAV/Paris 3)
Sylvie LINDEPERG (CERHEC/Paris 1)
Sylvie ROLLET (IRCAV/Poitiers)
Marguerite VAPPEREAU (CLARE/Bordeaux Montaigne)
Séminaire inter-universitaire sur la critique
« Enjeux analytiques de la représentation des luttes populaires au sein des Cahiers du Cinéma dans les années soixante-dix » par Frédéric Chandelier (Université de Nanterre)
Cette intervention revient sur les arguments critiques développés dans les Cahiers du Cinéma au cours des années soixante-dix à propos de la représentation des luttes. La conception de l’Histoire et de la mémoire des minorités par l’idéologie bourgeoise implique alors une redéfinition de l’analyse filmique axée sur la récupération des révoltes par l’État. En 1974 Michel Foucault est invité à commenter les mutations esthétiques impliquant l’identification du spectateur. Retour sur les implications critiques de l’analyse filmique élaborée par Serge Daney et la rédaction de la revue afin d’intervenir sur l’éthique des fictions et des documentaires traitant de l’histoire des masses populaires.
→ Consulter le programme du séminaire
LES ÉTATS DU CINÉMA, SÉMINAIRE DOCTORAL
Dirigé par Dominique Willoughby
« 1906-1909, apparition de l’objet ‘musique de cinéma’ » par Céline Pluquet (ESTCA, Paris 8)
Alors qu’on assiste à partir de 1906 à une phase d’institutionnalisation de l’industrie cinématographique, et notamment, de l’exploitation, la question de la musique qui accompagne les projections cinématographique alimente les débats. Il s’agira lors de cette invention de voir si on assiste à cette période à l’apparition de l’objet musique de cinéma à travers l’étude de trois cas : la partition de La Vie de Jésus, joué en 1907 au Théâtre des Folies Dramatiques, l’adaptation du spectacle pantomime L’Enfant prodgique à l’initiative d’Edmond Benoît-Lévy en 1907 et le programme des Visions d’Art, salle Charras en 1908.
→ Consulter le programme du séminaire
Cinéma et vidéo à Paris 8 – Chantier Ouvert
Ateliers-projections-rencontres organisées par l’équipe du Cinquantenaire et les étudiant-es du cours de Master 1 « Cinéma et vidéo à Paris 8 : collecte, sauvegarde et valorisation des archives »
À l’occasion de la numérisation et de la restauration de nombreux films de Paris 8 par la BnF et le CNC, l’équipe du Cinquantenaire de l’Université et les étudiant-es du cours de Master 1 « Cinéma et vidéo à Paris 8 : collecte, sauvegarde et valorisation des archives » préparent trois jours d’ateliers-projections-rencontres, les 14, 15 et 16 novembre prochains, à Paris 8 (amphi X).
– La première journée (11h-17h) sera centrée sur des questions méthodologiques liées aux archives filmiques de l’Université (collecte, sauvegarde, indexation, éditorialisation, valorisation…), et permettra d’évoquer l’histoire des services audiovisuels de Paris 8 ainsi que des pratiques audiovisuelles transversales aux départements et fondamentalement interdisciplinaires ;
– La seconde journée sera consacrée plus spécifiquement à l’histoire du département cinéma, de Vincennes à Saint-Denis, autour d’une intervention de Serge Le Péron (12h-14h45). Précédée et suivie de projections de films courts (11h-11h45 puis 15h-16h), elle sera l’occasion d’interroger les modalités d’enseignement du cinéma à Paris 8, sur un temps long, et d’aborder l’épineuse et récurrente question de l’articulation entre théorie et pratique ;
– Enfin, la troisième journée sera entièrement consacrée à des projections-rencontres autour de films réalisés à Paris 8 et récemment restaurés par la BnF et le CNC (11h-19h) et suivie d’un pot. → Lire la suite
Projection-rencontre autour de « SCUM Manifesto » suivie de lecture mise en scène
Nous avons le plaisir de vous inviter à une projection-rencontre autour de « SCUM Manifesto » (1976, 27 min), lecture mise en scène d’extraits du manifeste de Valerie Solanas par Carole Roussopoulos et Delphine Seyrig, ce jeudi 22 novembre à 17h à l’Université Paris 8 en salle de la recherche de la Bibliothèque universitaire.
Soirée « AnthropOcean, imaginaires océaniques »
En septembre 2018, Information sur les Sciences Sociales a publié un numéro spécial sur le thème AnthropOcean. Afin de poursuivre cette perspective au-delà du champ académique et de la rendre accessible au plus grand nombre, la FMSH organise une soirée-événement qui mettra en exergue l’idée d’AnthropOcéan par le biais de divers modes de transmission.
Dans une perspective pluridisciplinaire, ce numéro spécial embrasse la thématique de l’anthropologie sensorielle océanique : il s’agit de penser, de sentir et d’imaginer les dynamiques propres à l’océan dans le contexte de la crise écologique contemporaine.
Pour ce faire, les approches choisies dépassent le seul cadre théorique, pour s’intéresser à la fiction, aux carnets ethnographiques, aux témoignages, aux rencontres inter-espèces avec les habitants de l’océan. Ainsi, dans un processus profond de transformation de notre présent, peut-on rêver d’autres rêves que ceux de l’exploitation industrielle ?
Programme de la soirée
- Présentation du numéro spécial et de la notion d’AnthropOcéan par Fabien Clouette et Jeremie Brugidou, tous deux doctorants à l’Université Paris 8 et réalisateurs ;
- Projection d’une proposition visuelle, qui dialogue avec le numéro spécial par Fabien Clouette (GTM-CRESPPA) et Jeremie Brugidou (EDESTA-ESTCA) ;
- Performance sonore par l’artiste Robertina Šebjanič : Inspirée par la citation de Paul Celan, « There are still songs to sing beyond mankind », le travail artistique de Robertina Šebjanič porte sur les enjeux culturels, biopolitique et écologiques de l’empreinte humaine au sein de l’environnement aquatique et ses conséquences pour une meilleure compréhension de notre environnement terrestre ;
- Performance de Clifton Evers (Université de Newcastle) : La performance de Clifton Evers portera sur les implications du tourisme de loisir (notamment le surf), sur les transformations écologiques affectant l’océan, et l’agentivité de la pollution en tant que telle sur les pratiques ;
- Dialogue en anglais entre artistes et chercheurs : Robertina Šebjanič, Clifton Evers (Université de Newcastle), Fabien Clouette et Jeremie Brugidou ;
- Du 26 novembre au 7 décembre 2018, Exposition temporaire A Toxic Love Affair: Polluted Leisure in ‘Blue Spaces’ organisée par Clifton Evers et James Davoll : L’exposition sera composée d’une œuvre vidéo, une œuvre sonore, et des photographies, portant sur la pollution comme un agent actif de transformations. Les œuvres proviennent d’une collaboration de photographes, d’activistes, de sculpteurs, poètes, cinéastes afin d’interroger les contradictions, paradoxes, et tensions de ce qu’on peut appeler le « loisir pollué », notamment au travers des pratiques des surfeurs.
![Philippe Garrel, le temps incorporé @ Université Paris Nanterre Salle des conférences, Bâtiment Pierre Grappin [B] | Nanterre | Île-de-France | France](https://www.estca.univ-paris8.fr/wp-content/uploads/2018/11/amant-300x232.png)
Colloque international Philippe Garrel, le temps incorporé
À l’occasion des soixante-dix ans de Philippe Garrel, ce premier colloque international organisé en France propose de faire un état de l’art sur l’ensemble du parcours et de la filmographie du cinéaste, et souhaite apporter de nouveaux éclairages sur cette œuvre exigeante, qui reste en partie « hors saisie ».
International Symposium Philippe Garrel, Embodied Time
Celebrating Philippe Garrel’s seventieth birthday, this first international symposium held in France offers a state of the art on the artist’s whole career and his filmography. It wishes to bring a new light on this demanding work which remains difficult to grasp.
→ Télécharger le programme version pdf
Colloque organisé par :
Fabien Boully et Valérie Jottreau
Comité scientifique :
Fabien Boully (Université Paris Nanterre)
Nicole Brenez (Université Paris 3, Fémis)
Fergus Daly (Critique indépendant)
Valérie Jottreau (Université Paris 8)
Adrian Martin (Monash University)
Dork Zabunyan (Université Paris 8)
Partenaires :
HAR (Paris Nanterre)
ESTCA (Paris 8)
Idefi CréaTIC
EDESTA (Paris 8)
UFR Phillia (Paris Nanterre)
INA
Institut d’Études Avancées de Paris
Cinéma L’Arlequin
Séminaire doctoral pluridisciplinaire “Penser la création contemporaine dans le Cône Sud”
Nouvelles du front au Brésil : Non réconciliés ou Seule l’invention aide là où le mensonge règne. Carte blanche à Victor Guimarães
Nous ouvrirons la séance avec la projection des trois films suivants avant de dialoguer avec Victor Guimarães :
- Noir Blue (Ana Pi, 2017, 27’), en présence d’Ana Pi ;
- Estamos Todos Aqui (Chico Santos et Rafael Mellim, 2017, 20’) ;
- Vando Vulgo Vedita (Andreia Pires et Leonardo Mouramateus, 2017, 20’)
Victor Guimarães est critique de cinéma, programmateur et professeur à Belo Horizonte au Brésil. Il est critique pour la revue Cinética, et il a également collaboré avec Senses of Cinema (Australie), Desistfilm (Pérou), El Agente Cine (Chili), Lumière (Espagne) et La Furia Umana (Italie), en plus de nombreux livres, catalogues de festivals et rétrospectives de films au Brésil, en Argentine et en France. Il a été professeur au Centro Universitário UNA (Belo Horizonte), à la Universidade Positivo (Curitiba) et à la Vila das Artes (Fortaleza). Il a été l’un des coordinateurs du FestCurtasBH (2014) et il a fait partie des commissions de sélection du forumdoc.bh (entre 2012 et 2015). Il a notamment programmé Sabotadores da Indústria (Sesc Palladium, 2014), Argentina Rebelde (Caixa Cultural, 2015), Corpos em Lutas (CachoeiraDoc, 2017), Anacronias (Semana – Festival de Cinema, 2017) et Palavras de Desordem (Festival Lumiar, 2018). Il est doctorant en Communication Sociale à la UFMG, et a réalisé un séjour de recherche à l’Université Sorbonne-Nouvelle (Paris 3).
Séance réalisée dans le cadre du séminaire doctoral interdisciplinaire et interuniversitaire “Penser la création contemporaine dans le Cône Sud”, organisé par Ignacio Albornoz (Université Paris 8, EDESTA, ESTCA), Claire Allouche (Université Paris 8, EDESTA, ESTCA), Leslie Cassagne (Université Paris 8, EDESTA, Scènes du monde), Célia Jésupret (Université Lyon 2, ED3LA, Passages), Baptiste Mongis (IHEAL).
Colloque international Philippe Garrel, le temps incorporé
À l’occasion des soixante-dix ans de Philippe Garrel, ce premier colloque international organisé en France propose de faire un état de l’art sur l’ensemble du parcours et de la filmographie du cinéaste, et souhaite apporter de nouveaux éclairages sur cette œuvre exigeante, qui reste en partie « hors saisie ».
International Symposium Philippe Garrel, Embodied Time
Celebrating Philippe Garrel’s seventieth birthday, this first international symposium held in France offers a state of the art on the artist’s whole career and his filmography. It wishes to bring a new light on this demanding work which remains difficult to grasp.
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Colloque organisé par :
Fabien Boully et Valérie Jottreau
Comité scientifique :
Fabien Boully (Université Paris Nanterre)
Nicole Brenez (Université Paris 3, Fémis)
Fergus Daly (Critique indépendant)
Valérie Jottreau (Université Paris 8)
Adrian Martin (Monash University)
Dork Zabunyan (Université Paris 8)
Partenaires :
HAR (Paris Nanterre)
ESTCA (Paris 8)
Idefi CréaTIC
EDESTA (Paris 8)
UFR Phillia (Paris Nanterre)
INA
Institut d’Études Avancées de Paris
Cinéma L’Arlequin
Projection Débat organisée au Cinéma L’Arlequin
19h30 Les Amants réguliers en présence de Philippe Garrel
avec Louis Seguin
SÉMINAIRE INTER-UNIVERSITAIRE SUR LA CRITIQUE
Séance autour de Textes critiques de Jacques Rivette, avec Véronique Rivette, Michel Armas, Luc Chessel, Jacques Bontemps et Jean Narboni
Cette séance exceptionnelle du séminaire IDEC (Institut D’Etudes Critiques) sera consacrée à l’édition tant attendue des Textes critiques de Jacques Rivette, publiée chez Post-éditions le 21 novembre.
Nous aurons le grand plaisir d’accueillir Véronique Rivette accompagnée des editors Miguel Armas et Luc Chessel, ainsi que Jacques Bontemps et Jean Narboni, anciens des Cahiers du cinéma « époque Rivette » (1964-1969). Ils apporteront leur témoignage après la présentation et ouvriront le débat à propos du critique de cinéma qui fut d’abord considéré en son temps (les années 1950) et par ses pairs (à commencer par Jean-Luc Godard) comme la principale autorité au sein du groupe des Cahiers du cinéma.
La proximité du cinéaste de Paris nous appartient avec la jeune génération du milieu des années 1960 et sa grande curiosité intellectuelle vont ensuite profondément renouveler le geste critique au sein d’une revue qui a changé de direction (Rivette a remplacé Rohmer ), de format (nous sommes passés fin 1964 de la revue « jaune » aux Cahiers « Filipacchi ») et certains de ses intérêts (les « nouveaux cinémas ») tout en conservant sa ligne et son aura.
Projection de « Au musée imaginaire – Études sur Monet » de Klaus Wyborny
(In imaginären Museum – Studien zu Monet)
Film – essai, 103 minutes, 2014, DCP
Première française, présentée par Dario Marchiori.
« Il y a environ 140 paysages peints par Monet à Pourville au cours de quatre longs séjours entre 1882 et 1897. Le paysage de la côte a à peine changé depuis. Wyborny présente un panorama historiquement enrichi de cette côte en superposant les peintures de Monet à la réalité actuelle des lieux. Ce film-essai est dédié à Harun Farocki en comporte un entretien avec Michael Snow dont le film « La Région Centrale » est considérée comme un sommet de la réflexion artistique sur la représentation des paysages ».
En partenariat avec l’équipe de recherche ESTCA et Cinédoc Paris Films Coop, à l’occasion du colloque « Le cinéma expérimental allemand » organisé le 7 décembre à l’Institut National d’Histoire de l’Art.
→ Plus d’infos sur le colloque
Projections-Rencontres-Colloque : CINÉMA EXPÉRIMENTAL ALLEMAND : DORE O. / KLAUS WYBORNY
Hamburger Filmmacher Cooperative (1968 – 1972)
La Coopérative des cinéastes de Hambourg est fondée en 1968 par un groupe de cinéastes et d’étudiants de diverses disciplines – parmi lesquels Werner Nekes, Klaus Wyborny, Dore O, Hellmut Costard, Lutz Mommartz, Helmut Herbst – en opposition aux festivals de Mannheim et d’Oberhausen, aux normes strictes d’autocensure de l’industrie cinématographique allemande, et au manifeste d’Oberhausen de 1962 préconisant la « prise de contrôle » des longs métrages par un « jeune cinéma », attitude qu’ils jugent au final conformiste et paternaliste.
Parmi les cinéastes qui ont poursuivi la réalisation de films expérimentaux de façon conséquente, Dore O. et Klaus Wyborny, deux des membres cofondateurs de la Coop de Hambourg, sont invités à présenter une sélection de leurs films de 1968 à 2014 et à échanger avec le public et les communications de spécialistes à propos de l’histoire et de l’actualité esthétique du mouvement expérimental allemand.
Manifestation co-organisée par Cinédoc Paris Films Coop avec le soutien du CNC, le laboratoire ESTCA et la Commission Recherche de l’Université Paris 8, remerciements au Goethe Institut de Paris.
→ Télécharger le programme version pdf
Colloque Kinétraces Quand montrer c’est faire : performer la séance
Deux journées d’études et de projections en présence de chercheurs, programmateurs, archivistes et artistes — pour penser l’archéologie et les formes de la séance cinématographique en tant qu’acte performatif.
« Il n’a d’autre référent que sa profération : c’est un performatif », énonce Roland Barthes pour définir le discours amoureux dans ses célèbres Fragments. La séance cinématographique peut, elle aussi, s’envisager sous l’angle de la performance : le film étant projeté, agit, activé, par la tenue de la séance. Faire de la séance de cinéma un acte, penser ce qui fonde l’expérience cinématographique, voilà̀ ce qui intéresse l’association Kinétraces. La notion de séance requiert en effet une attention renouvelée, suivant les évolutions esthétiques, technologiques et sociales qui touchent au médium filmique et à ses modalités de monstration.
Un évènement organisé dans le cadre du Dispositif Projet innovant de l’Université Paris 3, avec le soutien des laboratoires IRCAV (Paris 3), ESTCA (Paris 8) et Cérilac (Paris 7).
→ Télécharger le programme version pdf.
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Esthétique et politique du passage de la période de la Stagnation à la Perestroïka en URSS : compte à reboursavec Olga Kobryn (Paris 3, Université de Lorraine Metz), Eugenie Zvonkine (Paris 8) / discussion avec Birgit Beumers (Aberystwyth University) |
Séance dans le cadre du séminaire de recherche en histoire et esthétique du cinéma « Régimes d’historicité dans le cinéma des années 1960 à nos jours : crises de temps, traces, (re)construction ».
Assa (1987) est un film réalisé par Sergueï Soloviov peu de temps avant la chute du mur de Berlin (1989) et la dislocation de l’URSS (1991), en pleine période politique de la Perestroïka et au tout début de la glastnost. Devenu culte, ce véritable manifeste politique et esthétique réunit pour la première fois sur grand écran et rend « visibles » l’ensemble des artistes de la culture « underground », principalement issus du milieu bohémien saint- pétersbourgeois et moscovite (milieu Rock, conceptualisme de Moscou, mouvement AptArt – « apartment art », cinéma expérimental). Si le film se construit sur des éléments documentaires et historiques, un grand nombre d’anachronismes (évocation de l’histoire de la Russie du début du XIXème siècle, références au cinéma expérimental des années 1950 – 1960, présence des éléments historiquement postérieurs à l’action du film qui se déroule en 1980) complexifient le rapport à l’Histoire et soulèvent la question de la stratification et de la « crise de temps » définie comme tension et distance entre le champ d’expérience et l’horizon d’attente (Hartog). Loin de représenter un simple symptôme de l’« époque des changements », Assa participe à la réécriture du régime historique dominant et à la construction d’un nouveau régime d’historicité.
Leto de Kirill Serebrennikov, qui sort le 5 décembre en France, dialogue à son tour avec Assa et d’autres films des années 1980 dans un rapport intertextuel serré et inventif et s’éloigne du biopic, proposant à son tour un nouveau régime d’historicité.
Rencontres internationales sur la cinéphilie et la critique ANDRÉ BAZIN, ET APRÈS ?
À l’occasion du centenaire d’André Bazin, conçu en regard de la programmation de films de la Cinémathèque Française, en accordant une large place à la parole critique, aux jeunes chercheurs comme à la recherche internationale, ce colloque rend hommage aussi bien au rayonnement de la pensée bazinienne qu’à la puissance de sa cinéphilie.
Programme de la matinée :
9h30 : conférence inaugurale d’Angela Della Vacche (Georgia Institut of Technology, Atlanta)
10h45-12h15, table-ronde : Bazin dans la mémoire des Cahiers du cinéma, animée par Cécile Sorin, avec Jean Narboni, Serge Le Péron, Pascal Bonitzer, Emmanuel Burdeau, anciens critiques des Cahiers du cinéma
→ Télécharger le programme version pdf
Soirée de clôture du Colloque Kinétraces 2018, dans le cadre du projet Séance(s)
Performer la séance télévisée
Projection de Uno contro tutti, avec Carmelo Bene (Italie, Maurizio Constanzo Show, 1994), présentée par Federico Lancialonga, Elodie Tamayo et Carlos Tello et suivie d’un cocktail.
En partenariat avec l’association Image et Parole.
→ Plus d’infos sur le colloque
RENCONTRES INTERNATIONALES SUR LA CINÉPHILIE ET LA CRITIQUE ANDRÉ BAZIN, ET APRÈS ?
À l’occasion du centenaire d’André Bazin, conçu en regard de la programmation de films de la Cinémathèque Française, en accordant une large place à la parole critique, aux jeunes chercheurs comme à la recherche internationale, ce colloque rend hommage aussi bien au rayonnement de la pensée bazinienne qu’à la puissance de sa cinéphilie.
Programme de la matinée :
9h15 : conférence de Damien Marguet (Paris 8) : Bazin et l’acte de création
10h : conférence de Bamchade Pourvali (Paris Est) : « Le cinéma selon André Bazin ». L’essai cinématographique
11h15-12h45, table-ronde : Regards récents sur Bazin, animée par Antoine de Baecque, avec Olivier Alexandre, Patrice Blouin (sous réserve), Emmanuel Burdeau, Laurent Le Forestier
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RENCONTRES INTERNATIONALES SUR LA CINÉPHILIE ET LA CRITIQUE ANDRÉ BAZIN, ET APRÈS ?
À l’occasion du centenaire d’André Bazin, conçu en regard de la programmation de films de la Cinémathèque Française, en accordant une large place à la parole critique, aux jeunes chercheurs comme à la recherche internationale, ce colloque rend hommage aussi bien au rayonnement de la pensée bazinienne qu’à la puissance de sa cinéphilie.
Programme de la matinée :
9h45 : conférence de Marco Grosoli (Habib University, Karachi) : Les mythes avec ou sans l’enfance. Bazin passeur entre photogénie et critique de l’idéologie
11h15 : table ronde : Les Bazin, aujourd’hui, animée par Marc Cerisuelo (Université Paris Est)
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Discussion autour de Geste filmé, gestes filmiques, dirigé par Christa Blümlinger et Mathias Lavin
Nous avons le plaisir de vous annoncer une rencontre autour de l’ouvrage collectif dirigé par Christa Blümlinger et Mathias Lavin, Geste filmé, Gestes filmiques, paru en août 2018, aux éditions Mimésis.
En présence des deux directeurs de la publication et de plusieurs contributeurs, le débat sera animé par Dork Zabunyan et Damien Marguet, le mardi 18 décembre, à l’INHA, salle Walter Benjamin, de 16h à 18h.
2-DAY WORKSHOP ITALIAN SILENT CINEMA A DIVE INTO THE COLLECTIONS OF THE EYE FILMMUSEUM
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LES ÉTATS DU CINÉMA, SÉMINAIRE DOCTORAL
Dirigé par Dominique Willoughby
« Approches du mouvement dans les films de Marie Menken : entre caméra somatique et cinéma poétique », par Bárbara Janicas (doctorante ESTCA, Paris 8) et Stéphanie Herfeld (chercheuse, Paris-Ouest-Nanterre).
Dans les films que Marie Menken réalisa caméra à bout de bras, en investissant son regard et son corps dans une exploration jouissive du monde, nous avons affaire à des images abstraites qui, par leur caractère de mobilité et spontanéité, créent des véritables poèmes visuels et rythmiques suscitant des expériences du mouvement proches de la danse. En privilégiant la dimension somatique et matérielle du travail de Menken, cette séance propose d’aborder ses films comme le domaine d’expérimentation d’un autre cinéma poétique au sein de l’avant-garde américaine, anticipant également certaines pratiques de la ciné-danse qui émergea en tant que genre filmique entre les années 1940 et 1970.
Intervention de Bárbara Janicas : Cette communication propose d’aborder le cinéma de Marie Menken, souvent rapproché de la peinture et parfois aussi de la danse, comme le domaine d’affirmation d’un autre cinéma poétique « matérialiste » au sein de l’avant-garde américaine des années 1940-1970. En privilégiant la dimension expérientielle et matérielle de son travail avec le support filmique, nous allons montrer que la poésie des films de Menken tient moins au modèle lyrique célébré à l’époque par Maya Deren, qu’à l’idée du « ciné-poème » véhiculée par les avant-gardes des années 1920. En nous appuyant sur les témoignages de Stan Brakhage et Jonas Mekas, qui furent les premiers à louer la capacité de Menken à traduire la réalité filmée en « poésie d’images vibrantes de mouvement », nous allons essayer de montrer comment sa pratique filmique expérimentale invite à l’expérience somatique d’une forme d’expression poétique des objets, de la lumière, et du corps-mobile invisible derrière l’appareil.
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« La lettre à Serge Daney » de Gilles Deleuze : les trois âges de l’imageavec Dork Zabunyan (Université Paris 8) / Discussion avec Ophir Lévy (Université Paris 8) |
Séance dans le cadre du séminaire de recherche en histoire et esthétique du cinéma « Régimes d’historicité dans le cinéma des années 1960 à nos jours : crises de temps, traces, (re)construction ».
Il s’agira de rebondir sur la périodisation esquissée par Deleuze dans sa « lettre à Serge Daney », qui distingue trois âges de l’image. Les deux premiers sont traités en profondeur dans L’Image- mouvement et L’Image-temps, mais le troisième – où le cinéma affronte toujours davantage d’autres types d’images animées, dont celles de la télévision – est surtout investie dans la « lettre », et un peu, mais à peine, à la toute fin de L’Image-temps. Cela nous permettrait de rejouer certaines réflexions sur l’impureté du cinéma, et de les investir à partir du cinéma italien (Fellini, Moretti, mais aussi Lina Wertmüller), pour ensuite étudier comment ce nouveau « régime d’historicité » qui apparaît là-bas dans ces années-là permet d’entrer, ou du moins de penser ce troisième âge dont parle Deleuze.
Discussion autour de PARIS 1900 de Nicole Vedrès (1947) Kaléidoscope des jours de Suzanne Liandrat-Guigues
La Librairie du Cinéma du Panthéon et la collection Le Parti pris du cinéma (Éditions L’Harmattan) ont le plaisir de vous inviter à une soirée de présentation et de signature de l’ouvrage de Suzanne Liandrat-Guigues PARIS 1900 de Nicole Vedrès (1947) Kaléidoscope des jours.
Cette soirée sera l’occasion d’un échange entre Suzanne Liandrat-Guigues et Bernard Eisenschitz autour de Nicole Vedrès, chroniqueuse, essayiste et réalisatrice.
Elle aura lieu le jeudi 24 janvier 2019 à partir de 18h30 à La Librairie du Cinéma du Panthéon, 15 rue Victor Cousin 75005 Paris.
Politiques du cinéma et territoires
Organisée à l’initiative du projet ANR Cluster 9-3, en partenariat avec le festival Premiers Plans et en collaboration avec la SFR Confluences de l’Université d’Angers
Conçue comme un dialogue entre chercheurs et professionnels du cinéma, cette journée d’études entend questionner les politiques du cinéma menées par les collectivités territoriales. Tout en considérant le panorama d’ensemble, il s’agira d’essayer de cerner les spécificités, et différences, à la lumière d’études de cas territoriales. Depuis le début des années 2000, les collectivités territoriales ont développé, et renforcé, leurs politiques du cinéma (et plus largement de l’audiovisuel). Ce phénomène, qui repose sur un certain nombre d’objectifs communs, se caractérise aussi par une diversité de choix, de moyens et de mises en application.
Par ailleurs, à une heure de grands redécoupages administratifs et dans un contexte budgétaire contraint, le devenir de ces politiques locales du cinéma mérite d’être interrogé. Comment, dans ce contexte, les projets de cinéma doivent-ils se réinventer ?
Conférence et débat avec Jihoon Kim
Emmanuelle André (Université Paris 7, Cerilac) et Christa Blümlinger (Université Paris 8, ESTCA) annoncent pour mercredi 30 janvier à 10h30 une conférence et un débat avec Jihoon Kim, Professeur associé à l’Université Chung-ang (Corée du Sud), autour de son livre Between Film, Video, and the Digital: Hybrid Moving Images in the Post-media Age.
La conférence sera en anglais, le débat en français et en anglais.
SÉMINAIRE INTER-UNIVERSITAIRE SUR LA CRITIQUE
L’ouvrage collectif Jean-Claude Biette, appunti et contrappunti (dir. P. Eugène, H. Joubert-Laurencin, P. Fauvel, Éd. De L’incidence, 2018), qui sera présenté à cette séance, s’attache à la figure d’un cinéaste et écrivain de cinéma discret et peu connu, aux apports esthétiques et théoriques pourtant inestimables.
Ami de Serge Daney et membre fondateur de la revue Trafic (dont il a trouvé le titre), traducteur et assistant de Pasolini, proche de la maison de production Diagonale fondée par Paul Vecchiali, Jean-Claude Biette fut aussi l’un des plus attentifs à donner à l’histoire du cinéma une existence de plain-pied, inventant pour ce faire un mode de lecture et d’écriture des films singulier, labyrinthique et joueur, faisant la part belle aux mécanismes de l’inconscient, à la fascination et aux désirs cinéphiliques éprouvés en premier lieu devant le cinéma classique.
Cette séance sera l’occasion pour Pierre Eugène et Marcos Uzal, contributeurs de l’ouvrage, d’aborder les œuvres de Jean-Claude Biette et la pérennité stimulante de leurs apports aujourd’hui.
SÉMINAIRE GESTES DE CINÉMA DOCUMENTAIRE – ESPACES EN REGARD Lucie Leszez (DHTA, Université Grenoble), Lucile Combreau (LILA, Paris 3), Mariya Nikiforova (Paris 3), Claire Allouche (ESTCA, Paris 8)
La prochaine séance du séminaire aura lieu le jeudi 31 janvier à 20h30, en salle Beckett au 45 rue d’Ulm, en présence de Drazen Zanchi. La séance sera organisée autour de la projection en 16 mm de deux films du cinéaste, Mercedes Dunavska ou l’impossible trajectoire A1 (2009) et Kanal (2018), puis d’une discussion.
LES ÉTATS DU CINÉMA, SÉMINAIRE DOCTORAL
Dirigé par Dominique Willoughby
« Les archives du cinéma d’Abel Gance »
La restauration de films monumentaux : Étude des restaurations de La Roue d’Abel Gance, par Rémi Llorens (Master 2 valorisation des patrimoines cinématographiques, Université Saint-Denis-Vincennes – Paris 8)
Abel Gance, cinéaste prolifique et novateur, réalise dans les années 1920 des œuvres aussi grandioses que complexes telles que La Roue ou Napoléon. Ces deux œuvres ont connu de nombreuses versions et restaurations : pour La Roue pas moins de quatre restaurations et reconstructions ont été effectuées jusqu’à nos jours. Cette étude se penche sur les pratiques des restaurateurs de films à versions multiples au travers du cas d’un film monument en cours de restauration par la Fondation Jérôme Seydoux-Pathé sous la direction de François Ede et en collaboration avec la Cinémathèque suisse et la Cinémathèque française.
Inventer l’œuvre par l’archive : le cas d’Abel Gance, par Elodie Tamayo (doctorante en cinéma, IRCAV, Université Sorbonne Nouvelle – Paris 3)
L’œuvre manifeste du cinéaste Abel Gance est redoublée d’une formidable part latente, constituée par ses projets inachevés et non-réalisés, scellés dans ses archives. Celles-ci constituent un ouvroir et un miroir de l’œuvre, une extension où Gance se met en scène en tant qu’auteur. La poétique de Gance est-elle à inventer (au sens herméneutique et archéologique du terme) par l’archive?
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Présent en crise et stigmates du passé dans le cinéma d’Avi Mograbi
avec Macha Ovtchinnikova (Université de Picardie Jules Verne) / discussion avec Tamara Erde (réalisatrice et artiste).
Séance dans le cadre du séminaire de recherche en histoire et esthétique du cinéma « Régimes d’historicité dans le cinéma des années 1960 à nos jours : crises de temps, traces, (re)construction ».
La filmographie d’Avi Mograbi se forge à partir d’une douloureuse actualité israélienne lacérée de traces, de stigmates du passé sanglant. A chaque film, le cinéaste plonge dans le présent impétueux de son pays qu’il traite comme une urgence. Loin d’être un espace d’explosion désintéressée, les films de Mograbi sont un lieu de réflexion permanente autant sur la société israélienne que sur le cinéma. Je m’intéresserai particulière à son film de 2001, Août, avant l’explosion dans lequel le cinéaste s’adresse au spectateur en lui confiant son projet : filmer tous les jours du mois d’août le quotidien de ses compatriotes israéliens. Il s’agira d’analyser comment ces images du présent en crise dévoilent les différentes strates du dispositif cinématographique, en exhibent les coutures afin de le transformer en lieu de résistance politique.
Tamara Erde est diplômée de Bezalel Academy à Jerusalem, et du Fresnoy, la réalisatrice et artiste franco-israélienne Tamara Erde explore différents médiums: réalisatrice de documentaires et de fictions, elle crée également des performances de danse et des installations vidéo. Ses œuvres sont présentées dans les plus grands festivals internationaux. Ses films documentaires This is my land et le récent Looking for Zion interrogent le conflit israélo-paléstinien à travers le prisme de l’enseignement de l’histoire dans les écoles israéliennes et palestinienne ou de sa propre histoire familiale.
SÉMINAIRE INTER-UNIVERSITAIRE SUR LA CRITIQUE
Comment le cinéma peut-il être aussi agile dans le récit alors que « le monde lui colle aux pieds », se demande Albert Laffay? Pour le grand angliciste, ancien élève d’Alain et premier critique cinématographique des Temps Modernes, le cinéma fait mieux que rivaliser avec l’idéalité du langage dans l’ordre de la fiction, il ne doit son aisance apparente qu’à des données non-imagières : la pluralité des photogrammes qui engendre le mouvement, celle des plans organisée par le montage, la faculté de bouleverser l’ordre et la continuité, la possibilité de produire la simultanéité, ce qui le rapproche de ce fait de la musique en rompant avec le caractère séquentiel de la lecture. A ces données immanentes, Laffay ajoute une idée : celle d’un « grand imagier », « structure sans images » située au coeur du film ; non anthropomorphique, irréductible à l’auteur, au narrateur et à toute personnalisation, ce « montreur d’images », « maître de cérémonie » ou encore « commentateur anonyme », cette main qui tourne les pages d’un livre d’images fait que le film nous parle en se montrant tout au long de son défilement. Précurseur de la narratologie filmique, Laffay anticipe également sur des conquêtes plus contemporaines : son insistance sur le fait que le cinéma nous montre des images rencontre l’intuition d’un Serge Daney qui tient que le cinéma n’est pas une technique d’exposition des images mais « un acte de montrer ».
Telle est la position du problème. Mais cela ne vaudrait pas une heure de peine si une telle acuité n’était soutenue par un style étincelant, clair et subtil, une langue « disante » dont on ne trouve que très rarement l’équivalent dans la critique cinématographique (on songe à André Bazin et à Claude Ollier) et plus surement dans la « critique des maîtres » en littérature (on pense à Julien Gracq). La tension de la langue a conduit à une forme de rimbaldisme : Laffay n’écrivit que quatre ans sur le cinéma, à la haute époque de l’après-guerre, puis retourna à sa khâgne du lycée Louis-le-Grand et à Keats dont il fut le traducteur. Nous nous interrogerons sur ce météore à partir de ses textes rassemblés chez Masson en 1964 sous le titre de Logique du cinéma (le livre attend depuis un demi-siècle une nouvelle édition…).
Marc Cerisuelo est professeur à l’Université Paris-Est Marne-la-Vallée.
LA MÉMOIRE FERTILE DE MICHEL KHLEIFI EN PRÉSENCE DU RÉALISATEUR MICHEL KHLEIFI
Ce mercredi 20 février à 18h30 en salle A1 181 (bâtiment A), Paris 8 accueille le ciné-club du Festival Ciné-Palestine. À l’occasion de la projection de son film La mémoire fertile, Michel Khleifi nous fera l’honneur de sa présence. La séance sera présentée et animée par Raba Hammo.
LES ÉTATS DU CINÉMA, SÉMINAIRE DOCTORAL
Dirigé par Dominique Willoughby
« L’écriture en atelier au cœur des enjeux artistiques et économiques de la production de séries américaines », par Sophie Goudjil (ESTCA, Paris 8).
Dans cette communication, nous proposons d’étudier l’influence de l’organisation de la writing room des séries télévisées états-unienne sur leur forme esthétique. L’exposé sera suivi d’une discussion avec Joël Augros (PR, Université Bordeaux-Montaigne).
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Hommage à Claire Mercier (1965-2019)
Nous vous donnons rendez-vous le jeudi 14 mars à 18h pour rendre hommage ou découvrir l’œuvre de Claire Mercier, scénariste, réalisatrice et enseignante-chercheuse au Département Cinéma, récemment disparue.
LES ÉTATS DU CINÉMA, SÉMINAIRE DOCTORAL
Dirigé par Dominique Willoughby
Marion Charroppin (doctorante ESTCA, Paris 8) : La boucle animée, du jouet optique au Gif
Le projet de cette thèse est de relier l’analyse esthétique des boucles continues issues des jouets optiques à celle d’images animées ultérieures telles que le Gif. Apparu en 1983, le Gif ou « graphic interchange format » désignait à l’origine un format d’image numérique fixe destinée à internet. À partir de 1996 où apparaît un Gif représentant un bébé qui danse, ce format correspond à une image animée selon une brève séquence qui se répète à l’infini. À l’ère de la communication numérique, les Gif sont surtout présents sur les réseaux sociaux et les smartphones, s’intégrant aux discussions comme un nouvel élément de ponctuation. Dans le cas d’une boucle continue, la première et la dernière phase de l’action se confondent, effaçant le début et la fin. Dans ce cas, le Gif est une forme d’image animée de tendance anarrative, qui remet en question la classique conception linéaire du temps de l’image animée cinématographique. Il nous semble intéressant de questionner la place que peut avoir cet objet anarratif dans une conversation virtuelle sur les réseaux sociaux.
Il semblerait que le Gif animé en boucle continue soit une entité graphique qui exprime de l’affect plutôt qu’il ne raconte une histoire. Les représentations culturelles qu’il réemploie sont choisies pour leur pouvoir expressif. Le Gif peut être composée de plusieurs petites actions mais son ensemble est conçu pour provoquer une émotion simple : rire, peur, dégoût, excitation sexuelle. On rencontre ce schéma anarratif avant l’ère du cinéma narratif classique, à travers certains jouets optiques du XIXe siècle (phénakistiscope, zootrope,praxinoscope) qui présentent des animations en boucle continue composant le même genre d’« unité expressive » que le Gif.
Au cours de ce travail, nous questionnerons les modalités d’expression de la boucle animée,son évolution dans le temps, ainsi que la réception de ces images, en comparant les boucles animées du « précinéma » et celles du postcinéma d’un point de vue scénaristique, stylistique et de leur technique d’animation. Nous nous demanderons comment, du XIXe siècle à nos jours, la consommation spécifique des images animées en boucle a impacté le ressenti des formes, des couleurs et du mouvement chez le spectateur. L’expression cyclique d’un motif entraînant une consommation des images de l’ordre de « l’attraction», nous verrons en quoi les boucles continues des Gif participent à faire de l’ère numérique une ère attractionnelle en rupture avec le schéma narratif de l’ère cinématographique.
Stefano Darchino (doctorant ESTCA, Paris 8) : Pour l’histoire de la création d’un genre cinématographique
En s’appuyant sur les concepts de Tzvetan Todorov, de Jean-Louis Leutrat et de Janet Staiger (entre autres), une approche historique et « matérialiste » à l’égard des genres cinématographiques sera proposée : ils n’existent qu’à partir du moment où ils sont nommés. Dans ce processus de création, un rôle fondamental est souvent joué par les critiques de cinéma, dont les textes publiés participent à la diffusion du genre : par exemple, on sait que le « film noir » a été forgé par la critique cinématographique française. L’étude de cas qui sera employée correspond au genre italien du « cinema demenziale » (cinéma démentiel), né au début des années quatre-vingt à partir de la réception critique de quelques films comiques américains venant de sortir en salles : 1941 (de Steven Spielberg, 1979), Y a-t-il un pilote dans l’avion ? (Airplane!, de Jim Abrahams, David Zucker & Jerry Zucker, 1980) et The Blues Brothers (de John Landis, 1980).
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Le changement de régime a-t-il eu lieu ? Expériences du temps depuis le cinéma hongrois (1985-1994)
avec Mario Adobati (Université Paris 3 – Sorbonne Nouvelle)
Séance dans le cadre du séminaire de recherche en histoire et esthétique du cinéma « Régimes d’historicité dans le cinéma des années 1960 à nos jours : crises de temps, traces, (re)construction ».
Comment reconstituer un régime d’historicité à partir du cinéma ? Cette étude de cas proposera une réponse partielle à cette question, à l’aide d’un groupe d’œuvres hongroises produites autour du changement de régime (principalement les films de Tarr Béla, Fehér György, Janisch Attila, Szász János et Szabó Ildikó). L’accent sera mis sur la façon dont l’analyse de la poétique des films peut soutenir l’exploration des relations affectives au temps entretenues par la société artistique d’alors. Ces relations se déclineront autour de thématiques temporelles comme la nostalgie, le désenchantement, l’attente, le pessimisme, la passivité ou encore la résignation, témoins de la complexité des va-et-vient entre passé, présent et futur au sein d’une expérience complexe de crise du temps.
Mario Adobati (Université Paris 3 – Sorbonne Nouvelle) sera en discussion avec Sylvie Rollet (Professeure des universités Émérite en Études cinématographiques, Université de Poitiers, membre de l’IRCAV) et avec Damien Marguet (Université Paris 8) – sous réserve.
Séminaire doctoral pluridisciplinaire “Penser la création contemporaine dans le Cône Sud”
« Mariano Llinás et les machines de la fiction »
en présence du cinéaste
La rencontre avec Mariano Llinás (Balnearios, Historias Extraordinarias, La Flor), sera construite autour de la projection d’extraits de films et de questions que nous n’avons (encore) jamais osé lui poser. Nous nous intéresserons notamment à la singularité de ses films dans le contexte du cinéma contemporain en lien avec la production El Pampero Cine, aux jeux de références artistiques et littéraires rioplatenses et européennes dans son œuvre, à sa collaboration au cinéma argentin en tant que scénariste (avec Hugo Santiago et Santiago Mitre notamment) ainsi qu’à la fabrication au long cours de La Flor, son dernier long métrage d’une durée de 14 heures et tourné pendant dix ans, sorti en salles en France le 6 mars* (présenté notamment au Festival de Locarno, au TIFF et grand victorieux du BAFICI en 2018).
La séance du séminaire sera suivie de la projection du premier long métrage de Mariano Llinás, Balnearios (2002) au cinéma Les 3 Luxembourg à 20h30, dans le cadre de ¡Cine argentino! Rencontres de cinéma argentin à Paris et d’un partenariat avec le Festival Cinélatino Rencontres de Toulouse. Le film sera suivi d’un échange avec Mariano Llinás et Fernando Ganzo, co-rédacteur en chef de So Film et auteur du texte « El Pampero à l’heure de La flor » dans le numéro 109 de la revue Trafic.
Vous retrouverez toutes les informations de la séance ici : https://www.facebook.com/events/2600436256664065/
Séance réalisée dans le cadre du séminaire doctoral interdisciplinaire et interuniversitaire “Penser la création contemporaine dans le Cône Sud”, organisé par Ignacio Albornoz (Université Paris 8, EDESTA, ESTCA), Claire Allouche (Université Paris 8, EDESTA, ESTCA), Leslie Cassagne (Université Paris 8, EDESTA, Scènes du monde), Célia Jésupret (Université Lyon 2, ED3LA, Passages), Baptiste Mongis (IHEAL).
SÉMINAIRE INTER-UNIVERSITAIRE SUR LA CRITIQUE
Bazin au complet : qu’est-ce que ça change ? Une étude de textes
La publication récente des Écrits complets d’André Bazin aux éditions Macula (2681 textes rendus publics, pour la plupart une seule fois dans un journal ou une revue, entre décembre 1942 et décembre 1958, suivis de 19 Varia isolés et d’une centaine de pages de variantes ou d’inédits contenus dans les 11 volumes posthumes de l’auteur publiés entre 1958 et aujourd’hui) remet en circulation la pensée de Bazin sur le cinéma. Comme ses idées étaient déjà largement diffusées dans le monde à partir d’une petite sélection connue de bons textes élus par lui ou par ses éditeurs posthumes (un sur dix environ au total), qu’est-ce que cela change – ou plutôt qu’est-ce que « ça » change, si l’on considère que des textes choisis sont le résultat d’un « surmoi » ?
En relisant de près quelques textes oubliés ou retrouvés, pour passer du détail à l’œuvre entière et retour (« Et Clic ! Zirkel im verstehen », comme dit Madame Maggi dans Salò ou les 120 Journées de Sodome, et aussi Pier Paolo Pasolini plus calmement, qui lisait Leo Spitzer en théoricien de la relation critique), je ne chercherai pas à quadriller la bonne ou la mauvaise parole de Bazin ou sur Bazin (à bas le moralisme !), mais seulement d’imaginer les prémices une histoire rapprochée de sa critique ou : « Que signifie se rapprocher d’une œuvre ? ».
Hervé Joubert-Laurencin est professeur à l’Université Paris-Nanterre.
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Signature-Rencontre avec les auteurs de « Scénaristes de cinéma : un autoportrait », éditions Anne Carrière
Ni cinéaste, ni écrivain, le scénariste de cinéma travaille dans l’ombre, la plupart du temps en collaboration avec les metteurs en scène. Il est le premier témoin de la naissance des films, et les accompagne parfois jusqu’au montage final.
Sur la base d’un questionnaire auxquels ont répondu plus d’une soixantaine de professionnels, les scénaristes de cinéma associés décrivent une profession peu connue, mais passionnante. Ils évoquent les difficultés du métier, mais aussi les spécificités de leurs savoir-faire, loin des modèles télévisuels et des formatages en tout genre.
Divisé en six chapitres, le livre aborde de nombreuses questions, qui vont du statut social de l’auteur à l’invisibilité publique du scénariste de cinéma. Peut-on vivre du métier de scénariste ? Comment trouve-t-on du travail ? Les scénaristes sont-ils bien lus ? Comment travaille-t-on avec un cinéaste ? Que faut-il penser des résidences ? Et tout simplement : À quoi sert un scénariste ?
Chaque chapitre a été pris en charge par un ou plusieurs scénaristes de cinéma. Les styles diffèrent, mais témoignent tous du plaisir d’écrire et de transmettre la passion du métier. L’intégration de nombreux témoignages contribue à faire de ce texte un véritable autoportrait de groupe.
Le livre s’adresse à tous ceux que le cinéma intéresse : professionnels, enseignants, étudiants, mais également cinéphiles. Pédagogique, documenté, incarné, traversé par un évident plaisir d’écrire, il se lit aisément et met en lumière un métier du cinéma mal connu, même de la profession.
La signature-rencontre aura lieu à la libraire du MK2 Quai de Loire, le vendredi 29 mars à 19h.
Séminaire doctoral pluridisciplinaire “Penser la création contemporaine dans le Cône Sud”
« La danse indépendante à Buenos Aires : œuvres visibles et pratiques souterraines », avec Caterina Mora, danseuse, performeuse et chercheuse argentine.
A l’ère de la super-reproductibilité technique, certaines œuvres ont le pouvoir de traverser les océans : combien de films, textes, et morceaux de musique passent-ils ainsi de regards en oreilles, transitant par des réseaux officiels ou pirates ? Mais qu’en est-il pour la danse ? Alors même que la création en danse contemporaine est particulièrement foisonnante en Argentine, ce sont très peu de pièces qui arrivent finalement jusqu’en Europe. Par ailleurs, limiter ce champ d’expérimentation aux objets produits semble bien réducteur au regard de la multiplicité de pratiques dansées que l’on peut rencontrer sur ces terres…
Nous vous invitons donc à une plongée dans le monde de la danse indépendante de la capitale argentine : qui sont les danseurs et les chorégraphes qui animent ce microcosme dynamique, pour quelles œuvres et quelles pratiques, à travers quels corps et quels imaginaires, dans quel type de travail, quelles conditions de production ? Pour traverser ces questions, nous dialoguerons avec Caterina Mora, chorégraphe, performeuse et chercheuse argentine vivant actuellement Belgique. Nous aborderons les paradoxes et les espoirs et de la danse indépendante portègne, puis elle nous invitera à entrer dans son actuel processus de recherche-création, autour de l’imaginaire de la communauté latine en Europe. Elle nous présentera « 18 minutes of a poor cheap bastard lecture performance”, proposée il y a peu au Kanal Pompidou à Bruxelles.
LES ÉTATS DU CINÉMA, SÉMINAIRE DOCTORAL
Dirigé par Dominique Willoughby
Elcio Basilio (Université Anhembi Morumbi, São Paulo) : « Des spectres chez Garrel »
Les derniers films de Philippe Garrel sont marqués par une mélancolie angoissante, souvent matérialisée en spectres, parfois dans les rêves, parfois en apparations fantasmagoriques en plein jour. À partir d’extraits de Les amants réguliers (2005) et La frontière de l’aube (2008), on discutera l’influence de ces visions chez les personnages garreliens en rapport à l’amour et au suicide. On verra aussi comment l’onirisme dans Le révélateur (1968) est repris et intégré dans un contexte narratif.
Valerie Jottreau (ESTCA, Université Paris 8) : « La mesure du silence dans le premier cinéma de Philippe Garrel (1966-1979) »
En 1967, dans un texte majeur « L’esthétique du silence », Susan Sontag (1933-2004) perçoit dans le silence étendu au sein des pratiques artistiques « modernes », une forme paradoxale de requalification et de sacralisation de l’art, où celui-ci s’affirme contre l’histoire. C’est dans ce contexte de mobilisation de l’autorité du silence et de sa reconnaissance comme forme limite, que Philippe Garrel crée « son premier cinéma » dès 1966. Nous nous proposons de suivre « La mesure du silence » qui nous conduit des films de crise des années soixante à l’expérience sensorielle, extatique et attentionnée des années soixante-dix, jusqu’au blanc silence du souvenir défaillant mais dont l’efficace irriguera toutes les variations à venir.
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La voie expérimentale du cinéma polonais : enjeux politiques et formels
avec Dario Marchiori (Université Lumière Lyon 2) /en discussion avec Olga Kobryn (Sorbonne Nouvelle Paris 3 / Université de Lorraine Metz)
Séance dans le cadre du séminaire de recherche en histoire et esthétique du cinéma « Régimes d’historicité dans le cinéma des années 1960 à nos jours : crises de temps, traces, (re)construction ».
Interroger l’expérimentation esthétique dans le cinéma polonais, notamment dans la période du milieu des années 1950 au début des années 1980, cela revient à repenser trois gestes historiographiques distincts : interroger ce que nous appelons « cinéma expérimental » ; mettre en crise le récit officiel de l’histoire du cinéma polonais ; repenser les relations entre le cinéma et l’Histoire. Pour ce faire, nous allons traverser plusieurs ensembles de films en nous intéressant aux implications ou aux retombées politiques des inventions formelles : le documentaire de création, le cinéma d’animation et le cinéma d’artiste, et les passerelles ou les points de contact qui les relient. Ce panorama de la production « expérimentale » polonaise nous permettra de comprendre comment, loin de se désintéresser de la question historique, le travail de ces cinéastes fort hétérogènes entraîne une reconfiguration critique de la théorie de l’Histoire tout comme de ses enjeux subjectifs.
Avant-première de L‘ÉPOQUE de Matthieu Bareyre
En présence du réalisateur et de l’équipe de BAC Films.
Suivi d’un débat animé par Céline Gailleurd et Nicolas Droin.
Synopsis : « Du Paris de l’après-Charlie à l’élection présidentielle de 2017, une traversée nocturne aux côtés d’une jeunesse qui ne dort pas : leurs rêves, leurs cauchemars, l’ivresse, la douceur, l’ennui, les larmes, la teuf, le taf, les terrasses, les vitrines, les pavés, les parents, le désir, l’avenir, l’amnésie, 2015, 2016, 2017 : L’Époque. »
Séance ouverte à tous. Attention, au-delà de 18h30 il ne sera plus possible de rentrer dans la salle pour ne pas perturber la rencontre.
Séminaire doctoral pluridisciplinaire “Penser la création contemporaine dans le Cône Sud”
« Autofiction théâtrale pour des narcissismes uruguayens » – Rencontre avec Sergio Blanco
Auteur et metteur en scène de plus d’une dizaine de pièces, représentant de la deuxième génération de théâtre indépendant en Uruguay, Sergio Blanco nous parlera de son travail théâtral, principalement centré sur le mythe et l’autofiction – « un moyen de rendre l’Uruguay un peu plus narcissique » – développé dans des pièces comme Tebas Land, La Ira de Narciso ou El Bramido de Düsseldorf dont nous visionnerons des images.
Installé à Paris depuis de nombreuses années, Sergio Blanco nous parlera aussi de la façon dont il travaille entre deux continents (l’Amérique du Sud et l’Europe) et de la façon dont le théâtre uruguayen cherche à s’intégrer dans des circuits internationaux par le biais de certaines plateformes telles que COMPLOT, un collectif de metteurs en scène dont il fait partie avec Gabriel Calderón, Martin Inthamoussú et Mariana Percovich.
La rencontre aura lieu en français.
SÉMINAIRE INTER-UNIVERSITAIRE SUR LA CRITIQUE
Tales of Sound and Fury signifying… Something, or the Elephant of Melodrama
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Vernissage de l’exposition « Pratiques de la distraction » à LiveInYourHead
Une proposition de Christophe Kihm, Paul Sztulman, Dork Zabunyan et les étudiants du work.master
Avec Michelangelo Antonioni, Zoe Beloff, Andrea Cera, The Fantom Man, Harun Farocki, Chloé Galibert-Laîné, Watch Dogs 2, Joanna Grudzinska, Elem Klimov, Kevin B. Lee, Max Neuhaus, Peter Snowdon.
Notion souvent dévalorisée, la distraction renvoie autant à certaines modalités de l’attention (flottante, périphérique, mobile, changeante…) qu’aux productions esthétiques associées à la culture de masse. En relation avec les séminaires de recherche qui ont présidé à son élaboration, cette exposition souhaite mettre en perspective la double acception recouverte par cette notion pour proposer aux visiteurs une expérience d’attention distraite à partir des œuvres et documents qu’elle réunit.
L’exposition aura lieu du 3 mai au 24 mai 2019.
En collaboration avec Université de Paris 8, EnsAD, Ecole Universitaire de Recherche ArTeC, ESTCA
Dans le cadre du projet « Politiques de la distraction ».
LES ÉTATS DU CINÉMA, SÉMINAIRE DOCTORAL
Dirigé par Dominique Willoughby
« Desktop films: le remploi de la vidéo amateur à l’ère post-Internet » par Gala Hernández López (doctorante ESTCA)
Les desktop films sont des films construits à partir du recyclage de vidéos amateurs trouvées sur l’hyperarchive de la vidéosphère: Internet, les réseaux sociaux et les app mobiles. À partir d’un montage dialectique dotant les vidéos d’un hors-champ, les desktop films réalisent une re-signification des images-source, une réflexion sur les rapports entre macrohistoire (mémoire collective) et microhistoire (mémoire individuelle), une archéologie de l’impensé de notre temps et tentent un diagnostic des symptômes épidémiques de notre époque. Ils nous interrogent aussi sur notre relation à la production d’images.
« Figures – thèmes – dispositifs » par Chaghig Arzoumanian (doctorante ESTCA)
Lors de ma présentation du 7 mai, je vous ferai part du travail que j’ai développé durant ma résidence à la Fondation Camargo avec les chercheurs Anais Farine et Assaf Dahdah. http://camargofoundation.org/fr/programmes/programmes-en-partenariat/labexmed/2019/beyrouth-en-images/
Le projet Beirut Stills, est un travail de collecte de films libanais réalisés depuis les années 1970, il a pour premier objectif l’élaboration d’un film constitué de montage d’extraits issus de la cinématographie libanaise. En laissant la parole aux images et à la bande sonore ce projet ira d’abord dans le sens d’un travail de remontage de séquences présentant larécurrence de certains paysages, motifs et ambiances beyrouthins.
Ce travail de montage de récurrences, de motifs qui reviennent de manière systématique (tels que les panoramiques, l’entrée dans Beyrouth, les check-points, les manifestations ou encore la vie nocturne par exemple) nous donne la possibilité d’une nouvelle perspective porté sur ces films et d’une nouvelle analyse du choix des réalisateurs: les lieux qu’ils investissent, les sujets qu’ils traitent; qu’est ce qui les unis, ce qui les traverse etc. Nous cherchons à travers ce projet à articuler les questions relatives à la ville dans le cinéma à celles du cinéma dans la ville, de lier les questions des représentations symboliques et à celles des pratiques de l’espace dans Beyrouth. Durant la présentation, je projetterai également un premier remontage du film d’une durée de 25min.
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SÉMINAIRE GESTES DE CINÉMA DOCUMENTAIRE – ESPACES EN REGARD Lucie Leszez (DHTA, Université Grenoble), Lucile Combreau (LILA, Paris 3), Mariya Nikiforova (Paris 3), Claire Allouche (ESTCA, Paris 8)
Nous aurons l’immense plaisir d’accueillir l’artiste tous terrains Till Roeskens, en dialogue avec Camille Bui, enseignante-chercheuse, spécialiste des problématiques spatiales dans le cinéma documentaire. Cette rencontre sera l’occasion de la projection de Grand Ensemble (2017), « plan de situation » réalisé par Till Roeskens entre Clichy-sous-Bois et le Haut-Clichy, œuvre qui partage les récits fabulés d’habitants d’un quartier et, au-delà de la temporalité de la performance, une mémoire imaginative des lieux, sous la forme d’un « film trace ». Cette séance sera également l’occasion de revenir plus globalement sur la démarche de Till Roeskens et sur ses projets de création multiplement situés (le programme vous sera distribué au début la séance).
Programme
GRAND ENSEMBLE, 2017, 1h25, couleur, numérique.
« Film-trace d’une après-midi de conte documentaire sur une place publique au fond des banlieues, en lisière des forêts, entre Clichy-sous-Bois et Montfermeil, à peu près au milieu du monde : ça aurait pu s’appeler Sur le passage de quelques personnes à travers une assez courte unité de temps, si le titre n’était pas déjà pris. Assez courte unité qui embrasse ici une soixantaine d’années, ayant vu la naissance, le déclin, l’abandon, puis la démolition-reconstruction quasi complète d’un Grand Ensemble parmi les plus stigmatisés du pays. Racontée à l’aide d’une grande maquette bricolée, cette chronique-épopée emprunte les chemins et les mots d’Ali, Odette, Pierre, Boubaker, Mousba, Malika, Nabil, Olivier, Mohamed, Georges, Lamya, Gounedi et Dounia, dont les lignes de vies venues de loin se sont croisées ici. » Tels sont les mots de Till Roeskens pour parler du projet de Grand Ensemble. Griot urbain, conteur cinématique, l’artiste fait ici littéralement corps avec les récits d’habitants, plaçant l’oralité comme dynamique nécessaire pour faire émerger des images nouvelles d’un même lieu, à la lisère de la mémoire et de l’imaginaire.
Projection d’extraits d’autres travaux de Till Roeskens choisis par Camille Bui
Till Roeskens est né en Allemagne et vit aujourd’hui à Marseille. S’il serait restrictif de lui attribuer un champ d’action artistique en particulier, l’ensemble de son travail peut néanmoins se retrouver sous la dénomination de « cartographies sensibles ». Depuis le début des années 2000, son travail se développe dans la rencontre avec un territoire donné et ceux qui tentent d’y tracer leurs chemins. Il traverse des territoires par la marche et le regard, s’en imprègne. Ce qu’il ramène ensuite de ses explorations, sous différentes formes (livre, film, conférence, conte), est une invitation au regard, un questionnement, une tentative pour s’orienter dans l’infinie complexité du monde. (https://www.ateliersmedicis.fr/le-reseau/acteur/till-roeskens-7495)
Camille Bui est maîtresse de conférence en études cinématographiques à l’université Paris 1 Panthéon – Sorbonne. Elle contribue régulièrement aux Cahiers du Cinéma. Elle est l’auteure de l’ouvrage Cinépratiques de la ville: documentaire et urbanité après Chronique d’un été, paru en 2018 aux Presses Universitaires de Provence et où il est notamment question de Un Archipel (2012) de Marie Bouts et Till Roeskens. Ses recherches portent notamment sur le cinéma documentaire, l’articulation entre le social et l’esthétique, les liens entre théorie et pratique. Elle s’est également formée en photographie.
Visual Salonica Jalons pour un projet de recherche collectif sur les cultures visuelles à Thessalonique Premier atelier consacré à la période 1912-1945
Journée organisée par les laboratoires de recherche HiCSA et ESTCA des universités Paris 1 et Paris 8 avec le soutien de l’École française d’Athènes.
Selanik, Salonique, Thessalonique est, au tournant des XIXe et XXe siècles, un lieu de vie et de côtoiement de Grecs orthodoxes, Turcs musulmans, Dönme, Serbes, Bulgares, Arméniens grégoriens, Albanais, Tsiganes et, surtout de Juifs sépharades particulièrement nombreux – une mosaïque de communautés dont témoignent, en langue française, les travaux de Meropi Anastassiadou. Or la ville semble entretenir un rapport fusionnel aux images reproductibles fixes et animées. Cette relation que nous postulons intime et particulièrement marquante, nous paraît prégnante durant une longue période de bouleversements politiques, culturels et sociaux couvrant a minima la fin de l’Empire ottoman, l’avènement de l’État grec moderne jusqu’à l’annexion nazie même si l’après-Seconde guerre mondiale (de la guerre civile à la metapoliteusis) mériterait d’être envisagée. Elle doit être rattachée d’office à l’allure cosmopolite de la ville, au devenir de son peuplement multiethnique et à son hellénisation progressive après 1912 puis 1917, mais également aux circulations balkaniques dont Thessalonique constitue encore un pivot au XXe siècle. Ce sont ces points de cristallisation entre une histoire urbaine houleuse et des trajectoires iconiques plurielles que nous souhaitons entreprendre d’interroger dans une approche intermédiale et transpériodique en envisageant différents supports de production, diffusion, réception. Quelles identités visuelles véhicule cette ville transnationale en mutation radicale ? En mobilisant les outils épistémologiques des visual studies, ce champ peu arpenté dans les historiographies grecque, anglosaxonne comme francophone sera à l’ordre du jour lors d’une première journée prospective qui se veut le ballon d’essai d’un projet d’envergure internationale.
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LES ÉTATS DU CINÉMA, SÉMINAIRE DOCTORAL
Dirigé par Dominique Willoughby
« Les films du retour : une poétique documentaire dans le Chili de l’autoritarisme [1983 – 1989] » par Ignacio Albornoz (doctorant Université Paris 8, ESTCA)
Les traumatismes liés aux spoliations et crimes de la dictature (1973 – 1989) se manifestent dans le cinéma documentaire chilien selon au moins trois modalités. La première d’entre elles concerne, à grands traits, les films réalisés entre 1983, année de la restructuration des forces partisanes et des premières lueurs d’une mobilisation antidictatoriale organisée (Dabène, 180), et 1989, année du retour à la démocratie.
Frôlant parfois les codes du reportage télévisé et du cinéma direct, les films de cette catégorie cherchent à « montrer des réalités ayant été cachées pendant des années », selon les mots d’Andrés Racz, réalisateur de Douce Patrie (1983). Que ce soit en montrant les affrontements des manifestants avec les forces de l’ordre ou tout simplement en enregistrant les témoignages des principaux leaders des mouvements partisans, dans ces films il s’agit, par conséquent, d’enregistrer in situ, sur le vif, les actions et les paroles des protagonistes d’une résistance qui émerge et commence à prendre forme sur la scène publique.
Ces objets filmiques imposent enfin la question de leur interprétation. Comment approcher en effet ces films hybrides, quelque peu bétonnés et fonctionnels dans leur forme ? Quelle séquence, scène ou plan faut-il en isoler pour la description ? La présente communication cherchera à donner réponse à ces questionnements, prenant appui sur des éléments para-filmiques (titres, entretiens), filmiques et contextuels (circuits de diffusion).
« Des spectres chez Garrel » par Elcio Basilio (doctorant Université Anhembi Morumbi, Sao Paulo)
Les derniers films de Philippe Garrel sont marqués par une mélancolie angoissante, souvent matérialisée en spectres, parfois dans les rêves, parfois en apparations fantasmagoriques en plein jour. À partir d’extraits de Les amants réguliers (2005) et La frontière de l’aube (2008), on discutera l’influence de ces visions chez les personnages garreliens en rapport à l’amour et au suicide. On verra aussi comment l’onirisme dans Le révélateur (1968) est repris et intégré dans un contexte narratif.
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