Journée d’étude L’aséance ou le site du film expérimental

[1] « L’acinéma » [Revue d’esthétique, 1973], in Des dispositifs pulsionnels, Jean-François Lyotard, Paris, éd. Galilée, 1994, p. 60.

Comité d’organisation : Grégoire Quenault, Jennifer Verraes, Dominique Willoughby

Journée d’étude Après les réseaux sociaux. Pratiques, esthétiques et éthiques d’une écologie des Contenus Générés par les Utilisateurs

En réponse à la massification de la production de textes et d’images liée à l’essor des plateformes de réseaux sociaux en ligne, de plus en plus d’artistes empruntent, citent et réinventent dans leurs œuvres des Contenus Générés par les Utilisateurs (CGU). L’essor de ces pratiques d’appropriation et de détournement semble signaler la généralisation de l’attitude incarnée par l’artiste Douglas Huebler, qui déclarait dès 1969 : « Le monde est rempli d’objets, plus ou moins intéressants ; je n’ai pas envie d’en ajouter davantage ». Aujourd’hui, les artistes s’appro- prient des textes et des images issus d’Internet. Considérées dans leur ensemble, ces œuvres nous questionnent sur le devenir des CGU, au statut encore largement indéterminé,
à la fois documents et créations à part entière. Elles nous invitent également à interroger les dispositifs d’éditorialisation des réseaux sociaux eux-mêmes, dont les artistes reproduisent, moquent ou subvertissent les mécanismes.

Le terme de « recyclage » semble en effet identifier les CGU à des détritus numériques, que la créativité de l’artiste élèverait au rang d’art en leur ajoutant du crédit symbolique et culturel. À l’inverse, la notion humaniste d’« écologie » invite à envisager le réemploi comme un changement d’environnement, dotant l’objet approprié de fonctionnalités et de significations nouvelles alors qu’il était condamné à l’oubli par l’hyperproduction numérique contemporaine. Penser ces pratiques artistiques à l’aune d’une écologie des médias permet d’en considérer les productions comme des objets privilégiés pour l’étude de l’écosystème médiatique, social et politique des réseaux sociaux. C’est à l’aune de ces questions que les artistes, universitaires et professionnels de la journée essaieront de réfléchir, dans un esprit interdisci- plinaire mêlant la pratique artistique et la réflexion théorique sans oublier le travail des acteurs culturels permettant la valorisation et la diffusion de ces œuvres.

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INSCRIPTION OBLIGATOIRE PAR MAIL
Dans le cadre de Vigipirate Alerte Attentat, l’accès à l’École nationale supérieure des Arts Décoratifs est restreint sur inscription obligatoire par retour mail (ecologiedescgu@protonmail.com) d’ici au 24 juin. Une pièce d’identité devra être présentée à l’entrée de l’ENSAD. Merci de votre compréhension.

Rencontre autour de  « Scénaristes de cinéma : un autoportrait » (éditions Anne Carrière) écrit par le collectif « Scénaristes de cinéma associées »

Cette rencontre se tiendra le vendredi 28 juin à partir de 17h30 dans la salle de projection A1 181 de l’université, en présence de Cécile Vargaftig, Maya Haffar, et Pierre Chosson, scénaristes et contributeurs de l’ouvrage.

La discussion sera animée par Marie Pruvost-Delaspre et Olivier Bohler.

La rencontre sera suivie d’un pot amical.

Séminaire doctoral pluridisciplinaire “Création contemporaine dans le Cône Sud”

Rencontre avec les cinéastes Marco Dutra et Caetano Gotardo

Les cinéastes brésiliens Marco Dutra (Trabalhar cansa (2011) et Les Bonnes Manières (2017), co-réalisés avec Juliana Rojas) et Caetano Gotardo (Celui que nous laisserons (2013), Seus Ossos e Seus Olhos (2019)) sont de passage à Paris pour finaliser la postproduction de leur premier long métrage commun, Todos os Mortos. Cette fiction explore le Brésil d’après l’abolition de l’esclavage (1888) à travers les destinées de quatre femmes.

La rencontre avec les deux cinéastes sera l’occasion d’interroger ensemble « o que se move », « ce qui se déplace » (pour reprendre le titre original du premier long métrage de Caetano Gotardo) depuis leur entrée dans la réalisation cinématographique au début des années 2010, moment où ils s’attachaient à filmer une version subjective du présent national, jusqu’à leur dernier film, qui agite les spectres coloniaux du Brésil. À cet égard, la séance s’articulera autour de la projection d’extraits sous-titrés de leurs précédents films ainsi que d’une brève carte blanche que nous leur avons accordée, afin d’aborder des problématiques de la production cinématographique indépendante au Brésil aujourd’hui, établissant un raccord avec notre première séance de l’an dernier. Ils étaient il y a peu les invités de l’émission radiophonique Contre-bandes animé par Bernard Payen, que vous pouvez écouter ici.

L’entrée est libre. N’hésitez pas à en parler autour de vous et à venir nombreux pour participer à la discussion. Les réalisateurs seront traduits du portugais vers le français par les soins d’Estela Basso. Nous la remercions, ainsi que Marco Dutra et Caetano Gotardo pour avoir accepté l’invitation.

Au grand prazer de vous retrouver pour cette séance inaugurale de 2019 – 2020,

L’équipe de Création contemporaine dans le Cône Sud, Ignacio Albornoz (Université Paris 8, EDESTA, ESTCA), Claire Allouche (Université Paris 8, EDESTA, ESTCA), Leslie Cassagne (Université Paris 8, EDESTA, Scènes du monde), Célia Jésupret (Université Lyon 2, ED3LA, Passages), Baptiste Mongis (IHEAL).

Y a-t-il un sens dans ce film ? 

La comédie américaine des années 1980 (1975-1991)

Cette journée d’études (à entrée libre et gratuite) entend réunir toute personne intéressée par la comédie cinématographique des Etats-Unis ; surtout – mais non uniquement – les doctorant•e•s et les jeunes docteur•e•s provenant des multiples champs de la recherche en sciences humaines et sociales.

La journée veut permettre de discuter ensemble d’un sujet qui n’a pas encore gagné sa légitimité critique et universitaire : la comédie américaine des années 1980. 

La journée d’études doctorale « Y a-t-il un sens dans ce film ? : La comédie américaine des années 1980 (1975-1991) », financée par le laboratoire ESTCA de l’Université Paris 8 et par le laboratoire LISAA de l’Université Paris-Est Marne-la-Vallée, sera une opportunité pour analyser ensemble – à partir d’études de cas – un sujet, dont l’engouement scientifique n’a presque pas dépassé la sphère anglo-saxonne et qui est trop rarement abordé par la recherche française.

Cliquer pour télécharger le programme version pdf 

Et aussi 20h [entrée payante] : Projection exceptionnelle de Breakfast Club (1985) de John Hughes
Au cinéma Grand Action, 5 rue des Ecoles – 75005 Paris (M° « Jussieu »)

L’art tout contre la machine Colloque international

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L’art tout contre la machine Colloque international

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Histoires du patrimoine cinématographique : une autre histoire du cinéma Colloque et Journée d’étude

Christophe Gauthier, professeur d’Histoire du livre et des médias contemporains, co-organise avec Marie Frappat (Université Paris-Diderot), Natacha Laurent (Université Toulouse Jean-Jaurès), Ophir Levy (Université Paris 8) et Dimitri Vezyroglou (Université Paris 1) le colloque intitulé « Histoires du patrimoine cinématographique : une autre histoire du cinéma », qui vient conclure le projet « Patrimoine et patrimonialisation du cinéma », entrepris en 2016.

L’art tout contre la machine Colloque international

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FAIRE FACE /  TO FACE UP COLLOQUE INTERNATIONAL LAV DIAZ

L’œuvre cinématographique de Lav Diaz est chevillée au corps du peuple philippin, pétrie des vicissitudes politiques qui secouent le pays, traversée par les conséquences des cataclysmes climatiques qui dévastent l’archipel. Ses plans aux durées peu communes s’arriment aux destinées des opposants, des marginaux et des laissés pour compte. Accompagner les résistances, construire une mémoire collective, partager le temps de l’attente ou encore dessiner des tombeaux cinématographiques pour les disparus et les torturés: les fresques tragiques de Lav Diaz s’érigent contre le silence, l’amnésie et le refoulement. Sous-tendus par une violence étatique extrême (loi martiale, exécutions extrajudiciaires, escadrons de la mort), ses films mettent en lumière, sans détour, les tyrannies et les férocités de l’Histoire.

L’esthétique endurante de ce cinéaste arpenteur transpose les lieux du ban, les forêts reculées, les marges des villes et les terres abîmées en autant d’espaces vécus ou subis, de paysages quotidiens où l’homme habite, s’abrite, s’exile et parfois se sauve. Avec une rage humaniste, Lav Diaz fait face au désastre politique, écologique et éthique, se risquant à raconter ce que l’Homme fait à l’Homme.

L’art tout contre la machine Colloque international

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SÉMINAIRE INTER-UNIVERSITAIRE SUR LA CRITIQUE

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Sergei Loznitsa. Un cinéma à l’épreuve du monde

L’œuvre engagée et aujourd’hui mondialement reconnue du cinéaste ukrainien Sergei Loznitsa s’offre comme un véritable sismographe de l’Histoire soviétique, russe et ukrainienne, avec des films aussi incontournables que Paysage (2003), qui propose un portrait de la Russie des années 2000, ou Maïdan (2014), qui relate la révolution récente en Ukraine avec un point de vue intransigeant. Cinéaste prolixe – il réalise vingt-cinq films en vingt-trois ans – Sergei Loznitsa expérimente aussi bien le documentaire que la fiction en passant par les films de montage. De film en film, il interroge à chaque fois l’Histoire et sa réactualisation contemporaine (comme dans Austerlitz, 2016, ou Procès, 2018), et saisit une humanité écrasée par le poids du passé soviétique et meurtrie par les transformations sociales et politiques. À l’heure des images mobiles et omniprésentes, il repose à travers sa démarche la question du geste cinématographique comme geste politique, qu’il s’agisse de fiction (Donbass, 2018) ou de documentaire (Jour de victoire, 2018). À travers son œuvre s’affirme une esthétique contemporaine, celle de la durée, de la déconstruction narrative et des espaces fragmentés.

Comité d’organisation de la journée d’étude : Céline Gailleurd, Damien Marguet, Eugénie Zvonkine

En partenariat avec le Cycle Sergei Loznitsa « Regarder, c’est comprendre » à l’EHESS

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« Du renversement » Intervention d’Erik Bullot

À rebours de toute téléologie, l’archéologie des médias a attiré notre attention sur la survivance et le retour des formes et des techniques. L’histoire du cinéma obéit-elle à un principe de renversement temporel ? Est-elle une anagramme ?

En s’appuyant sur des travaux de recherche personnels autour d’une histoire virtuelle des relations de l’art et du cinéma et d’une étude sur Raymond Roussel et le cinéma, cette séance du séminaire s’attachera à instruire plus particulièrement la notion de remédiation rétrograde. Proposée par Jay David Bolter et Richard Grusin dans leur ouvrage Remediation. Understanding New Media, reprise et développée par Pavle Levi dans Cinema by Other Means, la remédiation rétrograde désigne le fait pour un médium ancien de traduire ou d’imiter les possibilités offertes par un médium plus récent.

Marguerite Vappereau donnera la réplique à Erik Bullot.

Séance dans le cadre du séminaire inter-universitaire Théâtres de la mémoire.

Rencontres ArTeC

Mais je vois quelque chose que les autres ne voient pas 

Colloque International Cinéma & Philosophie Werner Herzog

Mais je vois quelque chose que les autres ne voient pas 

Colloque International Cinéma & Philosophie Werner Herzog

Novembre Expérimental 2019 Claudine Eizykman

Le premier Ridley Scott Colloque imaginé et initié par Claire Mercier

Découvertes du cinema muet italien dans les collections du CNC

Un événement co-organisé par ArTeC, la Direction du patrimoine du CNC, l’Université Paris Lumières (UPL) et l’ESTCA (Université Paris 8), avec la participation de la Cinémathèque française, du Museo Nazionale del Cinema – Torino, du CSC – Cineteca Nazionale (Roma), de la Cineteca di Bologna, et de la Fondazione Cineteca Italiana – Milano

Sous la direction de Céline Gailleurd et Béatrice de Pastre.

Comité d’organisation et scientifique : Béatrice de Pastre, Éric Le Roy, Laurent Bismuth, Céline Gailleurd, Olivier Bohler. Assistant du comité : Stefano Darchino.

Cet événement s’inscrit dans le cadre du projet de recherche et de création « Le cinéma muet italien à la croisée des arts européens (1896-1930) », développé par Céline Gailleurd au sein de l’EUR ArTeC, de l’Université Paris Lumières (UPL) et de l’ESTCA (Université Paris 8)

Cliquer pour télécharger le programme version pdf ou pour consulter la page du colloque sur le site.

Territoires de la propagande

Territoires de la propagande 

« Contre Leni Riefenstahl »

Territoires de la propagande

Novembre Expérimental 2019 Claudine Eizykman

Novembre Expérimental 2019 Claudine Eizykman

Claudine Eizykman – Faire penser le cinéma

Les Rencontres du cinéma documentaire organisées par Périphérie auront lieu cette année autour d’Etonnants Portraits, du 27 novembre au 3 décembre au cinéma Georges Méliès de Montreuil.

On pourra y revoir, le mercredi 27 novembre à 18h45 :

André S. Labarthe de la tête aux pieds, de Isabelle Rèbre (2002) Coproduction : Les productions de L’Oeil sauvage/TV 10 ANGers/INA/AMIP

Faire le portrait d’un portraitiste, c’est regarder le geste plutôt que le modèle. Choisir de le faire au moment où l’homme réalise un documentaire sur Antonin Artaud, c’est s’engager dans une histoire en abîme. Dans ce portrait- essai, Labarthe nous ouvre ses portes, faisant apparaître les pièces d’un puzzle, jeu à multiples faces où je est un autre. La règle appliquée ici est la suivante : découper deux ou trois morceaux choisis dans le corps de sa filmographie et en saisir un mouvement qui va de la tête aux pieds.

Novembre Expérimental 2019 Claudine Eizykman

« Filmer l'(im)possible : les temps à venir d’Alexander Kluge » Maguelone Loublier (Université du Mans/ESTCA) avec Christa Blümlinger (répondante)

Il s’agira de penser la tension entre possible et impossible dans les films-essais d’Alexander Kluge. Dans son œuvre cinématographique, Kluge ne cherche ni à répéter ni à imiter le réel, mais le représente autrement, en faisant advenir dans l’image et dans les mots les puissances du possible. A partir de l’analyse du possible comme « catégorie esthétique » (Deleuze/Guattari), nous verrons comment les films de Kluge représentent le possible pour donner de l’élan au réel, pour y créer du possible et faire surgir l’imprévisible et l’impossible. En entrelaçant les temporalités, en tissant fiction et histoire, Kluge imagine d’autres possibilités et crée de l’impossible ; il offre ainsi au cinéma un « récit au subjonctif », qui échappe à la narration au présent et à l’imparfait.

Normalienne, agrégée d’allemand, Maguelone Loublier est actuellement ATER à l’Université du Mans. Elle a soutenu une thèse en études cinématographiques à Paris 8 et à la Goethe-Universität (Francfort-sur-le-Main) sur les manifestations de la voix dans l’oeuvre d’Alexander Kluge : « Variations et métamorphoses. Une voix allemande: Alexander Kluge ».

Elle a publié : « L’ombre d’une corne de taureau ou le conte de l’Enfant obstiné chez Alexander Kluge » (Germanica, 61, 2017), « Eine gespenstische Stimme geht um in Alexander Kluges Filmen » (Alexander-Kluge-Jahrbuch, 5, 2018) et « Le film-essai: quand le je-ne-sais-quoi de la voix et le presque-rien du silence ponctuent l’image (Godard, Marker, Kluge) » (Voix et silence dans les arts: passages, poïèsis et performativité, 2019).

Séance dans le cadre du séminaire inter-universitaire Théâtres de la mémoire.

Séminaire doctoral pluridisciplinaire “Création contemporaine dans le Cône Sud”

Rencontre avec Gabriel et Maurílio Martins

Le vendredi 29 novembre de 16h30 à 18h, en salle Aimé Césaire (locaux de l’ECLA) à l’ENS d’Ulm (45, rue d’Ulm / Paris Vème), nous dialoguerons avec le duo de cinéastes brésiliens Gabriel et Maurílio Martins, deux des membres fondateurs du collectif de production mineiro Filmes de Plástico, qui vient de fêter ses dix années d’activité  et qui est aujourd’hui l’un des groupes de cinéma localisé « hors de l’axe » les plus prolifiques du Brésil.

L’échange, traduit du portugais par le français, se concentrera sur les enjeux esthétiques et politiques de leurs filmographies respectives et communes, en nous intéressant tout particulièrement à la singularité de leur mode de production collectivisé et à la persistance de l’ancrage périphérique de leur cinéma dans leur banlieue natale, Contagem, comme point de départ de fictionalisation du quotidien et du contemporain.

Le premier long métrage commun de Gabriel Martins et Maurílio Martins, Au cœur du monde (No coração do mundo) sera projeté en première française au Festival des 3 Continents à Nantes entre les 20 et 26 novembre prochains. Leur film, distribué par Survivance, connaîtra une sortie en salles le 18 décembre et bénéficiera d’ici là de plusieurs avant-premières en présence des cinéastes, notamment le lundi 2 décembre à 19h30 à la Cinémathèque Française.

L’entrée est libre, sans réservation préalable.

L’équipe de Création contemporaine dans le Cône Sud, Ignacio Albornoz (Université Paris 8, EDESTA, ESTCA), Claire Allouche (Université Paris 8, EDESTA, ESTCA), Leslie Cassagne (Université Paris 8, EDESTA, Scènes du monde), Célia Jésupret (Université Lyon 2, ED3LA, Passages), Baptiste Mongis (IHEAL).

Émergence de l’art vidéo en Europe : historiographie, théorie, sources et archives (1960-1980)

À ce jour, une histoire de l’art vidéo à l’échelle de l’Europe reste à faire. C’est la mission à laquelle le présent programme de recherche entend répondre. Un réseau international, regroupant à la fois des historiens de l’art et de l’image en mouvement, des artistes, des protagonistes de cette aventure, des dépositaires de fonds d’archives, des conserva- teurs et de jeunes chercheurs, s’est constitué. Il a pour objectif de collecter des données sur les artistes, les œuvres et les événements qui ont permis l’avènement de cette pratique, ou qui ont compté dans son développement sur le territoire européen, et de mettre au jour les conditions nationales spécifiques de production et de diffusion per- mettant d’expliquer la variété des productions comme la disparité des périodes d’émergences (1960-1980).

SÉMINAIRE INTER-UNIVERSITAIRE SUR LA CRITIQUE

SÉMINAIRE INTER-UNIVERSITAIRE SUR LA CRITIQUE

« « The time of this story is the future ». Du bon usage de l’anticipation pour faire émerger la conscience des crimes de masse » Ophir Lévy (Paris 8/ESTCA) avec Sylvie Lindeperg (répondante)

Dans la proximité immédiate avec des faits génocidaires, il arrive que la fable cinématographique se conjugue au futur, comme s’il s’agissait de s’accorder, par cette distance artificielle, le recul nécessaire à l’appréhension d’un événement qui déborde l’entendement. L’exemple le plus emblématique d’une telle démarche est sans doute None Shall Escape d’André de Toth, film tourné en octobre 1943 et sorti en février 1944, qui s’ouvre sur ces mots : « The time of this story is the future. The war is over » et qui imagine l’hypothétique procès d’un criminel de guerre jugé devant le « Tribunal International du district de Varsovie ». Alors même qu’Auschwitz fonctionne à plein régime, ce film est le premier à évoquer frontalement le sort des Juifs dans une Europe sous domination nazie.

En revenant sur la genèse de None Shall Escape, mais également en sollicitant d’autres exemples tirés aussi bien de la littérature de la fin du XIX^e siècle que des dramatiques radio de l’immédiat après-guerre, nous voudrions interroger cet enchevêtrement des temporalités si caractéristique des récits marqués par la mémoire du génocide et nous demander quelles pourraient être les vertus épistémologiques d’une telle projection de l’actualité dans l’avenir.

Ophir Levy est maître de conférences en études cinématographiques à l’université Paris 8 – Vincennes – Saint-Denis. Sa thèse consacrée à la migration des images d’archives de la déportation et à l’empreinte souterraine de la mémoire de la Shoah dans le cinéma contemporain (sous la dir. de Sylvie Lindeperg, université Paris 1 – « Prix de la Recherche » de l’Inathèque en 2014) a donné lieu à la publication de l’ouvrage Images clandestines. Métamorphoses d’une mémoire visuelle des « camps » (Hermann, 2016). Il est également l’auteur de Penser l’humain à l’aune de la douleur. Philosophie, histoire, médecine. 1845-1945 (L’Harmattan, 2009).

Séance dans le cadre du séminaire inter-universitaire Théâtres de la mémoire.

Atelier Recherche-Création, Cinéma avec Dork Zabunyan (Paris 8), Sandra Delacourt (Paris 1) et Catherine Perret (Paris 8)

Chaque discipline artistique possède sans doute sa propre conception de la thèse de recherche-création, et il convient de respecter les spécificités de chacune des pratiques artistiques qui s’ouvrent ainsi à la recherche doctorale. Mais peut-être que le problème demeure mal posé, et qu’à une question d’essence – qu’est-ce qu’une thèse de recherche-création en cinéma, en arts plastiques, en théâtre, etc. ? –, il faudrait en soulever une autre, à la fois plus globale et plus concrète : à quelles conditions(historiques, politiques, pédagogiques…) les thèses de ce type voient-elles le jour dans les départements d’enseignement artistique ? C’est ce renversement de perspective que Sandra Delacourt entreprend dans un ouvrage paru récemment et qui fera date dans ce domaine : L’Artiste-chercheur – Un rêve américain au prisme de Donald Judd (éditions B 52, 2019). Nous partirons des hypothèses avancées dans ce livre pour tenter de déterminer comment la thèse de recherche-création en cinéma a acquis, par ricochet, une certaine place dans les études filmiques ; nous tenterons en parallèle de cerner les résistances méthodologiques qu’elle rencontre comme les possibles théoriques qu’elle laisse entrevoir, tout en l’inscrivant dans le cadre d’une politique de la recherche que le livre de Sandra Delacourt nous enjoint à investir sans relâche.

Cette séance s’adresse principalement aux doctorants de l’ESTCA mais est ouverte aux titulaires et aux restants doctorants de l’EDESTA, issus d’autres disciplines artistiques.

« Les images des barricades » Jennifer Wild (université de Chicago) avec Arno Gisinger (répondant)

La communication de Jennifer Wild portera sur des dimensions politiques et matérielles d’un devenir temporel de la photographie.

Elle s’interrogera sur la capacité de « reconnaissance radicale » qu’a l’image photographique à l’égard des sujets marginaux, opprimés ou « subalternes ». C’est à partir des photographies des barricades de la Commune de Paris (1871) que sera menée l’enquête historique sur les révolutions politiques, culturelles et artistiques, à travers la photographie, le cinéma et les arts.

Les photographies des barricades constituent, d’une part, les traces historiques d’une insurrection passée et de la résistance « performative » des citoyens. Mais elles constituent aussi le fonds à partir duquel explorer les esthétiques, politiques et matérielles, que permet la « nouvelle » photographie (circa 1871). D’autre part, ces photographies font également de l’image des barricades un ensemble figural ou une forme qui réunit soulèvement populaire et stratégies matérielles. A la demande de reconnaissance sociale et politique, cette combinaison associe surtout une demande de visibilité.

L’idée centrale de cette intervention est que la barricade offre un point de vue alternatif permettant d’examiner les formes photographiques et filmiques ultérieures. Celles-ci mettent en relief la matérialité de la photographie, à la fois en termes de longue durée (de la politique esthétique de l’image) et comme capacité de la photographie à libérer les sujets photographiques de leur position culturelle subordonnée, afin qu’ils puissent être reconnus dans leur intégrité et leur humanité. Cela met en lumière le fait qu’ont été sous-estimées les relations du médium photographique avec l’Histoire comme avec la fonction historique de l’esthétique politique de l’image.

Jennifer Wild, Professeure dans les deux départements de Cinema & Media Studies et Romance Languages & Literatures à L’Université de Chicago, est l’auteure du livre The Parisian Avant-Garde in the Age of Cinema (University of California Press, 2015).

Arno Gisinger, Maître de conférences au département de photographie (UFR Arts, Philosophie, Esthétique) à l’Université Paris 8, est photographe, plasticien et historien.

Séance dans le cadre du séminaire inter-universitaire Théâtres de la mémoire.

Les Rencontres Edesta Synchronisation

Séminaire animé par Paul-Louis Rinuy (AIAC) et Christa Blümlinger (ESTCA), proposé avec le soutien de l’EUR ArTec et du Collège des Ecoles Doctorales de l’Université Paris 8

Erika Balsom (King’s College, London) : « Wang Bing’s 15 Hours and the Chimera of Endlessness » Répondant : Dork Zabunyan (ESTCA)

Longtemps, le documentaire d’observation a souffert, auprès des commissaires d’exposition de l’art contemporain, d’un statut de mauvais objet, trop éloigné d’une certaine artificialité requise. Cette conférence s’intéressera à sa revalorisation récente, notamment dans le cadre de la Documenta 11 de 2002, dirigée par Okwui Enwezor. Reconnaissant qu’il ne s’agit pas d’une simple « copie » du monde, plusieurs artistes ont désormais choisi cette stratégie. La conférence explorera ce paradoxe apparent à partir d’une discussion portant sur l’œuvre du cinéaste et artiste chinois Wang Bing, 15 Hours (2017), qui documente une journée de travail dans un atelier textile chinois. L’installation se situe à l’intersection entre des discours sur le cinéma numérique et le tournant documentaire dans l’art, dans la mesure où l’œuvre réaffirme la primauté de la saisie optique en même temps que les possibilités singulières d’un mode d’enregistrement de longue durée, propre à la vidéo numérique. (Conférence en anglais)

Erika Balsom est professeure (Senior Lecturer) en études de cinéma au King’s College à Londres. Elle est l’auteur de After Uniqueness : A History of Film and Video Art in Circulation (2017) et de Exhibiting Cinema in Contemporary Art (2013), et a co-dirigé, entre autres, Artists’ Moving Image in Britain since 1989 (2019) et Documentary Across Disciplines (2016). Elle a publié dans des revues académiques comme Grey Room et Cinema Journal et contribue régulièrement à des magazines critiques comme Artforum, frieze, et Sight & Sound.

SÉMINAIRE INTER-UNIVERSITAIRE SUR LA CRITIQUE

« Trump, un film d’Amérique » Dork Zabunyan (ESTCA) avec Matthias Steinle (répondant, Sorbonne nouvelle – Paris 3)

Après discussion à propos de la consigne « le 5 mars, l’université s’arrête », il a été décidé de maintenir la séance du jeudi 12 mars. Dans le contexte actuel de mobilisation contre le projet de la réforme de l’université (LPPR), il nous a semblé important de poursuivre une réflexion qui cherche à aiguiser, avec le cinéma, des outils d’analyse pour comprendre et éventuellement avoir prise sur notre histoire contemporaine.

À cette décision, Dork Zabunyan aimerait ajouter ceci, en lien avec le sujet de son intervention : « La LPPR est triste, Trump est archi-triste. Et ce serait encore plus triste de ne pas échanger sur l’une comme sur l’autre dans le cadre d’un séminaire qui se veut critique et qui existe depuis 17 ans malgré toutes les contraintes économiques ».

L’élection de Donald Trump à la présidence des Etats-Unis d’Amérique a bouleversé les modes de représentation fictionnels du pouvoir politique au cinéma comme à la télévision. Les scénaristes de Hollywood sont en crise et les showrunners de séries télévisées sont aux abois : le 45e président  américain ne ressemble à aucun autre, et il rend obsolète la figure même du « leader du monde libre ».

Plusieurs questionnements qui engagent l’avenir de la création cinématographique accompagnent cette crise de la fiction à l’ère de Trump : un biopic de l’actuel président américain qui ne tomberait pas dans l’écueil du bêtisier est-il possible ? Si une caricature de la caricature est contre-productive d’un point de vue critique, quelles puissances d’expression le cinéma peut-il mobiliser pour dénoncer le fascisme mêlé de bouffonerie de Trump ? La fiction historique peut-elle se prévaloir de faire le « procès » du président américain, comme Hans J. Syberberg s’était proposé de réaliser, avec les moyens du cinéma, le « procès de Hitler » (dans Hitler, un film d’Allemagne, 1977) ? Peut-on esquisser au final les contre-images de Trump qui resteront dans nos mémoires ? Et ces contre-images pourront-elles constituer à leur tour le contrepoint d’un individu dont l’action politique annule le passé et méprise l’Histoire ?

Dork Zabunyan est professeur en cinéma à l’Université Paris 8 Vincennes-Saint-Denis. Deux de ses ouvrages ont été récemment traduits en anglais : Foucault at the Movies (avec P. Maniglier, Columbia UP, 2018, trad. Clare O’Farrell) et The Insistence of Struggle (IF Publications, 2019, trad. Stefan Tarnowski). Il prépare actuellement un essai sur les images de Donald Trump.

Séance dans le cadre du séminaire inter-universitaire Théâtres de la mémoire.

SÉMINAIRE INTER-UNIVERSITAIRE SUR LA CRITIQUE 

« Eric Rohmer : pour un cinéma impur » avec Noël Herpe, maitre de conférences à l’Université Paris 8.

Colloque international • Années 20/20 • Avant-gardes cinématographiques / Cinéma expérimental

Présentation du recueil d’articles de Michèle Lagny (codirectrice de « Théâtres de la mémoire », 2003-2018)

Hors cadre : imaginaires cinématographiques de l’histoire (Hermann, coll. « L’esprit du cinéma », 2020) par les quatre coéditrices du volume : Emmanuelle André (Paris 7), Christa Blümlinger (Paris 8), Sylvie Lindeperg (Paris 1) et Sylvie Rollet (Poitiers)

Les textes réunis dans le volume – dont l’écriture s’échelonne sur un peu plus de trente ans –dessinent le visage d’une chercheuse infatigable, animée d’une indéfectible curiosité. Au tournant des années 1970 et 1980, en France, l’entreprise pionnière de Marc Ferro a commencé à fissurer le mur qui sépare la recherche historique et l’analyse des discours audiovisuels. Ce moment où les domaines de compétence se redéfinissent et où les certitudes s’effondrent est celui des premières publications de Michèle Lagny, consacrées à la Révolution russe filmée par Eisenstein. Elle se convainc immédiatement d’un principe, qu’elle ne cessera de répéter : il faut « faire de l’analyse filmique un préalable instrumental à la démarche proprement historique. » 

Séance dans le cadre du séminaire inter-universitaire Théâtres de la mémoire.

SÉMINAIRE INTER-UNIVERSITAIRE SUR LA CRITIQUE 

« Ecocritique 2, la revue « Débordements » terrestre après tout ! » avec Raphaël Nieuwjaer, rédacteur en chef (sous réserve) et Gabriel Bortzmeyer, enseignant et critique.

« Trump, un film d’Amérique »

Dork Zabunyan (Université Paris 8)

Reprise de la séance interrompue du 12 mars dernier.

L’élection de Donald Trump à la présidence des Etats-Unis d’Amérique a bouleversé les modes de représentation fictionnels du pouvoir politique au cinéma comme à la télévision. Les scénaristes de Hollywood sont en crise et les showrunners de séries télévisées sont aux abois : le 45e président  américain ne ressemble à aucun autre, et il rend obsolète la figure même du « leader du monde libre ».

Plusieurs questionnements qui engagent l’avenir de la création cinématographique accompagnent cette crise de la fiction à l’ère de Trump : un biopic de l’actuel président américain qui ne tomberait pas dans l’écueil du bêtisier est-il possible ? Si une caricature de la caricature est contre-productive d’un point de vue critique, quelles puissances d’expression le cinéma peut-il mobiliser pour dénoncer le fascisme mêlé de bouffonerie de Trump ? La fiction historique peut-elle se prévaloir de faire le « procès » du président américain, comme Hans J. Syberberg s’était proposé de réaliser, avec les moyens du cinéma, le « procès de Hitler » (dans Hitler, un film d’Allemagne, 1977) ? Peut-on esquisser au final les contre-images de Trump qui resteront dans nos mémoires ? Et ces contre-images pourront-elles constituer à leur tour le contrepoint d’un individu dont l’action politique annule le passé et méprise l’Histoire ?

Dork Zabunyan est professeur en cinéma à l’Université Paris 8 Vincennes-Saint-Denis. Deux de ses ouvrages ont été récemment traduits en anglais : Foucault at the Movies (avec P. Maniglier, Columbia UP, 2018, trad. Clare O’Farrell) et The Insistence of Struggle (IF Publications, 2019, trad. Stefan Tarnowski). Il prépare actuellement un essai sur les images de Donald Trump.

Séance dans le cadre du séminaire inter-universitaire Théâtres de la mémoire.

SÉMINAIRE INTER-UNIVERSITAIRE SUR LA CRITIQUE  Edito Nouveaux Cahiers

SÉMINAIRE INTER-UNIVERSITAIRE SUR LA CRITIQUE

SÉMINAIRE INTER-UNIVERSITAIRE SUR LA CRITIQUE

SÉMINAIRE INTER-UNIVERSITAIRE SUR LA CRITIQUE

SÉMINAIRE INTER-UNIVERSITAIRE SUR LA CRITIQUE

Journée d’étude du Master Réalisation et création à Paris 8 Histoires, parcours, devenirs

Nous le ferons à travers trois tables rondes et une série de projections de films d’étudiants préparées et organisées par les étudiantes et les étudiants du Master 1, encadrés par Mélanie Forret. Il y aura ainsi trois soirées de projections de films de master, en présence des réalisateurs et des réalisatrices. Les débats seront animés par les étudiantes et étudiants de l’Université Paris 8.

Enfin, il s’agira dans cette journée de fonder une association d’anciens étudiants du master, afin de créer du lien entre les différentes promotions, désormais nombreuses.

Comité d’organisation : Nicolas Droin, Mélanie Forret, Eugénie Zvonkine

Entrée gratuite dans la limite des places autorisées.

Consulter le programme.

Programme du séminaire du laboratoire ESTCA

Amphithéâtre de la Maison de la Recherche de Paris 8

9h30-11h Christa Blümlinger & Sylvie Rollet : « Michèle Lagny: historienne des imaginaires cinématographiques ».
Discutant : Ophir Levy

11h15-12h45 Marie Pruvost-Delaspre : « Faire l’histoire des techniques du cinéma d’animation : le cas du studio japonais Tôei Dôga ».
Discutante : Hélène Fleckinger

14h15-16h Dork Zabunyan, Paul Sztulman : « Politiques de la distraction : quelles politiques ? ».
Discutante : Eugénie Zvonkine

16h30-18h30 Cécile Vargaftig : « La recherche-création, entre la grande Histoire et les regards intimes ».
Discutante : Mélanie Forret

19h-20h Projection de Dans les jardins de mon père de Valérie Minetto, scénario de Cécile Vargaftig (2006, 57’).

SÉMINAIRE INTER-UNIVERSITAIRE SUR LA CRITIQUE

Exposition – Images Secondes n.2 « Puissances architectoniques du cinéma » The Film Gallery

Vendredi 18 juin : 18h-21h // Samedi 19 juin : 11h-21h

La revue Images Secondes vise à explorer les mutations du cinéma à travers l’analyse de ses spécificités esthétiques, historiques et technologiques, envisagée au prisme des autres arts et des sciences humaines. Dans un contexte d’ouverture disciplinaire et tournée vers l’expression d’une pensée contemporaine, Images Secondes se positionne au cœur des pratiques et des recherches en cinéma par la mise en regard des objets filmiques avec l’actualité des sociétés. Le second numéro d’Images Secondes, dirigé par Lydie Delahaye et Éline Grignard, se propose d’envisager les dynamiques convergentes entre le cinéma et les approches pratiques et théoriques de l’architecture.

À l’occasion du lancement de ce numéro publié en ligne en 2020, nous avons le plaisir de vous inviter à une exposition éphémère à la Film Gallery, qui en prolonge les enjeux à travers deux propositions plastiques proposées par l’artiste Jean-Baptiste Lenglet et le collectif LAO.

Vous retrouverez ici le sommaire et les différentes contributions : https://imagessecondes.fr/index.php/puissances-architectoniques-du-cinema/

Cette exposition a bénéficié du soutien du LIRA (Université Paris 3 – Sorbonne Nouvelle) et du laboratoire ESTCA (Université Paris 8 – Vincennes Saint-Denis).

Un verre vous est offert à partir de 18h en présence des artistes et de l’équipe de la revue.
(Jauge limitée et respect des gestes barrières)

Assises de l’enseignement du cinéma à l’université incluant la pratique et la création 

Les Assises de l’enseignement du cinéma à l’université incluant la pratique et la création sont organisées par trois institutions : l’Université Paris 8, l’Université Paris 1 et l’ENSAV (École Nationale Supérieure d‘AudioVisuel) de Toulouse. Le comité scientifique de cet événement, composé de Jean-Louis Dufour (ENSAV), Frédéric Sojcher (Paris 1) Serge Le Péron, Dominique Willoughby et Eugénie Zvonkine (Paris 8), a ébauché le programme de l’événement, dont les participants restent pour partie encore à confirmer. 

Le but est de sortir de ces Assises qui se tiennent à Toulouse, à l’ENSAV, avec une liste de revendications précises, mais également avec une cartographie du réseau des formations pratiques du cinéma et de l’audiovisuel en France. 

Consulter le programme.

SÉMINAIRE INTER-UNIVERSITAIRE SUR LA CRITIQUE

SÉMINAIRE HISTOIRE CULTURELLE DU CINÉMA

Morgan Lefeuvre est chercheuse associée à la Queen Mary University of London au sein de l’ERC STUDIOTEC, elle enseigne également à l’université de Lausanne. Auteure des Manufactures de nos rêves – les studios de cinéma français des années 1930 (PUR – 2021) et de divers articles sur l’histoire sociale du cinéma et les métiers de la production, ses travaux portent également sur les coopérations cinématographiques franco-italiennes depuis les années 1930.

Présentation de l’ouvrage « Nuremberg. La bataille des images » par Sylvie Lindeperg

Discutante : Gertrud Koch, Professor Emerita for Cinema Studies at the Freie Universität, Berlin.

Modérateur : Ophir Levy, maître de conférences en études cinématographiques à l’Université Paris 8.

Séance dans le cadre du séminaire inter-universitaire Théâtres de la mémoire.

SÉMINAIRE INTER-UNIVERSITAIRE SUR LA CRITIQUE 

La critique italienne et le cinéma demenziale

Stefano Darchino, doctorant en études cinématographiques à l’Université Paris 8, présentera une partie des résultats de sa thèse portant sur la catégorisation critique du cinema demenziale par la critique italienne au contact de films comiques américains tels qu’Animal House (en français, American college ; John Landis, 1978), 1941 (Steven Spielberg, 1979), Airplane! (en français, Y a-t-il un pilote dans l’avion ? ; Jim Abrahams, David Zucker & Jerry Zucker, 1980) ou Blues Brothers (John Landis, 1980). L’analyse de la réception critique de ce corpus permettra de comprendre comment la catégorie de cinema demenziale a émergé, s’est construite et imposée au sein de la critique italienne.

→ Consulter l’actualité et le programme du séminaire

Colloque international Années 20/20

ll fallait bien une expérience cinglante pour faire lever dans la frénésie technique et économique d’un cinéma naissant, une gerbe de films et de pensées qui imposeraient à la postérité cinématographique de revenir sans cesse aux formes et aux questions qu’ils léguaient, une expérience originaire ; celle à partir de laquelle commencent les questions. 

Claudine Eizykman « L’Avant-garde cinématographique comme expérience originaire », Le Film-après-coup, PUV, 2019.

Les « Années 20 », décennie prodigieuse des « expériences originaires » qui voit en Europe l’apparition d’un cinéma alors qualifié de pur, absolu, poétique, abstrait, intégral, Dada, surréaliste, ou encore l’attrait de ces avant-gardes pour certains films scientifiques et du cinéma d’avant la Première guerre Mondiale, seront à l’honneur et revissées à l’occasion de leur centenaire. Une rétrospective exceptionnelle d’une soixantaine de films emblématiques ou plus rares donnera la mesure de la naissance tumultueuse de formes cinématographiques à rebrousse-poil de l’uniformisation narrative et industrielle de l’époque. Télescopant science, arts, documentaire, attractions et provocations diverses, de l’absolument pur à l’absolument impur, ces films ont définitivement ouvert l’espace du jeu et de l’expérimentation au cinéma.

En complément de la rétrospective, un colloque international réunissant historiens et chercheurs spécialistes des avant-gardes cinématographiques des Années Vingt se tiendra les lundi 22 et mardi 23 novembre 2021 à l’auditorium de l’institut National d’Histoire de l’Art (INHA).

→ Consulter le programme du colloque ou télécharger le pdf.

SÉMINAIRE HISTOIRE CULTURELLE DU CINÉMA

Séduction de l’innocent. Conditions d’émergence et enjeux des pratiques d’encadrement cinématographique de la jeunesse

par Roxane Hamery

Éducative, récréative, culturelle… l’effet cumulatif suscité par la succession de ces trois mots, régulièrement, et souvent indifféremment, employés pour caractériser la séance de cinéma pour l’enfance ou la jeunesse, pourrait laisser supposer un principe fort et une ambition totalisante, alors que ce type d’organisation relève d’une mission sociale perçue comme fondamentale. Sans doute cette trinité a-t-elle revêtu et revêt-elle d’ailleurs encore un aspect idéel pour beaucoup d’experts. Pourtant, dès lors qu’il se penche sur l’histoire des pratiques cinématographiques des groupements de jeunesse, le chercheur se trouve confronté à une diversité d’usages et de définitions touchant aussi bien aux conceptions de l’enfance/de la jeunesse qu’à celles du cinéma. Partant de trois personnalités phares de ces mouvements (Sonika Bo, Marie Lahy-Hollebecque et Jean Michel), cette communication propose donc d’analyser les conditions d’émergence et les enjeux des pratiques d’encadrement cinématographiques de la jeunesse afin de mettre en évidence l’existence de différents courants, parallèles ou opposés.

Roxane Hamery est maîtresse de conférences en études cinématographiques à l’université Rennes 2. Ses recherches portent notamment sur les lieux de diffusion culturelle du cinéma et les relations entre jeunesse et cinéma. Elle est notamment l’auteure de Ténèbres empoisonnées ? Cinéma, jeunesse et délinquance de la Libération aux années 1960, Paris, AFRHC, 2017. Elle travaille actuellement sur l’histoire du cinéma pour l’enfance et la jeunesse en France (films et séances).

Afin d’assister à cette séance, une inscription est à effectuer à cette adresse : hcc2020@chartes.psl.eu.

Séance dans le cadre du séminaire Histoire culturelle du cinéma.

Époques Deux films de Jean Chamoun

Ce programme a été conçu à partir du film Alors (1973), réalisé par Jean Chamoun alors qu’il étudiait le cinéma à l’Université Paris 8 à Vincennes. Longtemps invisible, Alors a été numérisé par l’association Nadi Lekol Nas.

Ce programme en deux temps et autant d’époques (l’après-mai 68 et l’après-guerre du Liban) a pour ambition de montrer à Paris 8 deux films d’un ancien étudiant du département cinéma. Autour de la projection de <