Séminaire inter-universitaire sur la critique

Noël Herpe, « Renoncer à la critique ? »

Mercredi 18 octobre, à 18h, INHA, salle W. Benjamin, 2 rue Vivienne ou 6 rue des Petits Champs, 75002 Paris

Ecrivain, cinéaste, critique et historien du cinéma, Noël Herpe est MCF à l’Université Paris 8 Saint-Denis. Il a écrit dans Libération, Vertigo, Positif. Il partira de deux ouvrages récents, Les Films me regardent (Hémisphères, 2021) et Ma vie avec Bernard Pivot (Plein Jour, 2023), pour commenter certains passages qu’il mettra en rapport avec des extraits de films ; avant d’ouvrir une discussion générale.

« Que je parle des acteurs du cinéma muet, de la transposition filmique du vaudeville ou de l’adaptation littéraire chez Rohmer, j’ai l’impression que je façonne une histoire du cinéma français à ma ressemblance. Je dis cela sans outrecuidance. C’est plutôt une manière de renoncer à la critique de films, pour être attentif à un mouvement moins conscient. Celui qui a consisté, pour moi, à m’installer dans le cinéma que j’aimais (ce cinéma hexagonal si fidèle à une certaine tradition rhétorique, si méfiant vis-à-vis du corps), comme pour cogner de l’intérieur contre la vitre. Comme si je ne pouvais exister, étrangement, qu’en devenant un personnage de ces films, en m’abîmant dans leur poussière, en y guettant une improbable renaissance », dit Noël Herpe.

Mélo ou Surmélo ?

Séminaire avec Thierry Jousse

Vendredi 17 novembre, 18h – 20h, 3 Rue Champollion, 75005 Paris

Le titre même de la pièce d’Henry Bernstein, Mélo, annonce une lecture structurelle du genre. Comme une sorte de précipité de mélodrame qui surplomberait et même dépasserait l’esthétique et le concept du genre en le poussant vers l’abstraction. Cette pièce a été adaptée deux fois dans l’histoire du cinéma français. D’abord par Paul Czinner en 1933, puis, trente trois ans plus tard, en 1986, par Alain Resnais, grand connaisseur du théâtre et du cinéma français des années 1930. En confrontant ces deux versions, on s’interrogera sur le dépassement de l’esthétique du mélodrame et sur le degré d’abstraction de chacune des deux versions.

Mélo, Alain Resnais (1986)

Projection du film présenté par Brice Bonnet

Vendredi 17 novembre, 20h30, 3 Rue Champollion, 75005 Paris

Séminaire inter-universitaire sur la critique

Sam Di Iorio, « Retour sur un détour : Jean-Louis Comolli, Free Jazz et Cinéma Direct 1964-1969 »

Mercredi 22 novembre, à 18h, INHA, salle W. Benjamin, 2 rue Vivienne ou 6 rue des Petits Champs, 75002 Paris

En février et avril 1969, Jean-Louis Comolli fait apparaître un article en deux parties aux Cahiers du cinéma, “Détour par le direct”, qui revient sur une forme que son auteur reconnaissait comme marginale, d’abord appelée cinéma vérité et puis, suite aux polémiques, cinéma direct. Les deux parties de ce texte déplacent le sens de son objet de nouveau, cette fois en le rapprochant de la fiction, et plus précisément, d’un cinéma moderne alors en plein ébullition. Pour comprendre la portée de son argument, il faudrait faire une digression de plus. En 1964, peu après son entrée aux Cahiers, Jean-Louis Comolli commence à participer à Jazz Magazine, où sa défense passionnée d’un free jazz naissant établit des précédents intéressants pour ce qu’il écrira sur le direct par la suite.

Comme le cinéma à cette époque, le jazz se trouvait également bouleversé par une forme nouvelle fondée sur une vision radicale de l’improvisation. De même, comme au cinéma, les implications politiques de cette transformation étaient amèrement discutées par les amateurs de musique. La conférence reviendra sur ces écrits et sur le rôle que Jean-Louis Comolli a joué dans ces débats. Toutefois, l’objectif sera moins de proposer le récit d’une réciprocité entre le jazz et le cinéma que d’examiner comment ces écrits sur la musique modifient notre compréhension des changements dans la pensée du cinéma qui se met en place aux Cahiers à la fin des années soixante.

Sam Di Iorio, professeur à Hunter College et au Graduate Center de City University of New York (CUNY), est l’un des grands spécialistes contemporains du cinéma direct, du cinéma français des années 1960-70 et de la critique française. Professeur invité à l’université Gustave Eiffel cet automne, il intervient pour la deuxième fois au séminaire, après une communication sur le mac-mahonisme en 2018.

L’Équipe de film au travail, Créations artistiques et cadres industriels

Conférence et signature

Dans le cadre des conférences du Conservatoire des techniques et du 100e anniversaire de la Warner,
la Cinémathèque française vous propose deux conférences suivies d’une signature autour de l’ouvrage L’Équipe de film au travail, Créations artistiques et cadres industriels, Katalin Pór et Caroline Renouard (dir.), AFRHC, 2022.

Un studio dans le studio? Le Stage 5, département d’effets spéciaux de Warner Bros. par Réjane Hamus-Vallée
Au tournant de l’« âge d’or hollywoodien » des années 1930 aux années 1950, des transformations profondes structurent le milieu des effets spéciaux. De nouvelles technologies ainsi que des changements de cap dans les conjonctures économiques et esthétiques entraînent la création de départements spécifiques au sein des grands studios, regroupant des professionnels dédiés et de plus en plus spécialisés. Au sein de la Warner-First National, le Scientific Research Department, plus connu sous le nom deStage 5, acquiert rapidement une forte réputation pour l’excellence de sa production, qui étonne jusqu’à ses plus farouches concurrents de l’époque.De quelle manière la structuration et la hiérarchisation de cette équipe de création diffèrent-elles des modes de fonctionnement présents ailleurs ? Comment les individus qui composent ce « studio dans le studio » se positionnent-ils dans le cadre de leur organisation collective, et avec quelles marges de manœuvre ? Cette analyse, sous forme de « travelling avant » dans ce département spécialisé, permettra in fine de mettre en perspective ce que l’« âge d’or hollywoodien » en général, et la Warner Bros. en particulier, doivent à cette industrie des effets spéciaux, à la croisée d’enjeux techniques, économiques et esthétiques.

Mourir d’aimer, un mélodrame post-mai 68 ?

Séminaire avec Marguerite Vappereau

Vendredi 15 décembre, 18h – 20h, 3 Rue Champollion, 75005 Paris

Première collaboration d’André Cayatte et d’Annie Girardot, Mourir d’aimer, malgré les réticences de la critique, est un des grands succès publics de l’année 1971. Reprenant à grands traits l’affaire Gabrielle Russier qui avait défrayé la chronique de l’année 1969, ce film retrace le martyre d’une enseignante, Danièle Guénot, qui avait eu une liaison amoureuse avec l’un de ses élèves de Terminale alors âgé de seize ans. Nous essaierons de montrer comment ce film, tournant dans la carrière d’Annie Girardot, lui a permis de s’imposer comme une figure du mélodrame français. Il s’agira également de saisir la façon dont André Cayatte s’empare de ce genre classique du cinéma pour le renouveler.

Mourir d’aimer, André Cayatte (1971)

Projection du film présenté par Noël Herpe

Vendredi 17 novembre, 20h30, 3 Rue Champollion, 75005 Paris